INDICAÇÃO DO BIÁFORA

RESSONÂNCIAS DE UM ÓTIMO CICLO

2011-12-25T12:49:00.005-03:00

"Já comentamos, não tão extensamente como desejaríamos e o evento merecia, cinco dos oito filmes da “Mostra de Cinema Iugoslavo Inédito”. Ficaram faltando “Viver Para Ver”, “A Vida Amorosa de Budimir Traikovic” e “A Felicidade numa Corda”. As projeções do “Museu de Arte Moderna” nestes primeiros dois meses do ano estarão suspensas para reformas na sala. Mas o êxito e o interesse do ciclo foi tanto que eles, após correrem outras capitais, poderão voltar antes, no Masp, Cinesesc e até mesmo no Cine Clube Bixiga, senão depois no mesmo MIS. Assim é de bom alvitre ainda insistir nas muitas qualidades que tais obras nos revelaram.

Em primeiro lugar, com sua variedade de temas, épocas e locais, uma mais precisa idéia dos padrões de vida do povo e dos usos e costumes nessa república socialista, mas oficialmente anti-stalinista. “A Coroa de Pedra”, que através da vida de uma camponesa analfabeta, antes, ao tempo, durante e depois da revolução, é dos filmes mais efetivos nesse aspecto. E se observação realmente existe em teor suficiente e fizesse efeito, muitas ilusões e muitos preconceitos em torno do que pode ser a existência humana, a organização, a impossibilidade ou a morosidade das novas disposições das propaladas boas intenções a entrar em vigência nos regimes semelhantes, iriam em parte se desfazer, em parte passar a um plano mais condizente com a realidade.
Não é o regime de ocupação ou capitalista, bem como não é automaticamente a Revolução, o que influi na vida, na coroa de espinhos que a inerme e cândida Petra carrega por toda a sua apagada vida, desde a juventude até a velhice. É uma injunção, um condicionamento, um dado de temperamento, talvez, acima de organizações estatais, repressões, costumes arcaicos ou leis inovadoras. O barco leva muito tempo a chegar a seu destino, bem como a esponja das boas disposições não consegue apagar o que já quase se torna segunda natureza. E que grande interpretação, na protagonista, a de Mirjana Karanovic. Se prêmio de atriz tivesse havido no recente festival do MASP, a contemplada só deveria ser ela, com sua atuação clássica, profundamente humana e patética.
E falando em interpretações femininas, como é também forte e convincente a de Milena Dravic, a esposa e mãe possessiva e reclamona de “Budimir Traikovic” (Ljubavni Zivot Budimira Traikovic). O rapazinho, que vivia mudando de cidade, não parando nunca em escola alguma, não tendo jamais uma vida amorosa regularizada, tudo devido às permanentes mudanças de cidade a que a família estava submetida pela profissão (construtor de pontes) do pai (Ljubisa Samardzic) e do avô (Mica Tomic). Mas, quem mais se rebelava exteriormente era a mãe. E neste papel sério, mas que o colorido e a força de sua intérprete (Milena, a mesma “João Batista” de saias, que ao final tinha a sua cabeça simbolicamente cortada em “Os Mistérios do Organismo”, o filme de Makavejev exibido no festival do MASP) davam um fogo, e uma fúria que fazia pensar em Bette Davis, em Isabel Jewell e nas maravilhosas Bonita Granville e Margaret Hamilton da primeira versão de “Infâmia”. Um calor, uma convicção e, sem depreciar, até uma humana comicidade.
No setor masculino, interpretações também que mostram que o cinema de lá tem nível de que se orgulhar, foram as de Predag Bolpacig (o Budimir em causa), a dos dois heroizinhos de “Educação Especial” (Stimac e Aleksander Bercek, este o internado sem culpa, o qual, pela primeira vez em toda a nossa vida de crítica, nos fez ficar contrários a um final infeliz, embora esclarecedor e combativo, tal a simpatia despertada por personagem e intérprete). Valioso também Sebe Serbdzija, o protagonista do idealista e derrotado “Jornalista”, a de Hadi Shehu, um misto de Oliver Reed com um melhorado Ryan O’Neal e que fazia o suposto a culpado de “Rastros Brancos”.
E embora não tenhamos os nomes, louvores igualmente para o heroizinho de “A Felicidade numa Corda” (Sreca na Vrvici) e – porque não? – para o co-astro canino, aquele irresistível Terra Nova negro, cuja doação pelo diretor de uma equipe de TV ao menino, que havia logo “caído” pelo animal durante uma eventual filmagem de rua. E a simpatia foi mútua, mas o menino e sua mãe moravam numa zona de prédios de apartamentos, na qual não era permitido ter animais. Que bonita lição de vida, que simples mas efetivo apanhado social nessa história ingênua – será? – realizada aliás por uma mulher – Jane Kavcic.
Ainda a salientar a encantadora adolescente que faz o papel da última vizinha de prédio de apartamentos, e lógico que também a namoradinha, pela qual é o antes submisso Budimir e não sua briguenta, moralista e possessiva mãe, que rompe com a obrigação de mudanças da família e não segue de avião para o Iraque, iniciando já sua fase de “homem autosuficiente e independente”.
E disso cumpre ainda acrescentar a força patético-cômica de Cvijeta Mesic nas duas encarnações de histérica que faz com a psicóloga moderno-bitolada de “Educação Especial” e como a tia maneirosa que vem da Suíça em “Budimir”. Em ambos os filmes suas personagens tem os problemas resolvidos por dois homens dito chauvinistas: o professor compreensivo encarnado por Bekim Fehmiu em “Educação Especial”, e por Bata Zivojinovic, o vivido e complacente motorista de ônibus que a fica conhecendo e analisando em “Budimir Traikovic”. Aliás dois atores que aqui já conhecemos de fitas iugoslavas anteriores (Bata) e também de algumas feitas nos EUA e Europa (Bekim).
Sobre “Viver para Ver” (Zivi Billi Pa Vidjeli), de Pulo Puhlovski & Gamulin, salvo os habituais valores de realização, décor, imagem etc. não haveria tanto a anotar, mas ainda assim a fita, girando em torno do problema habitacional e da falência dos planos arquiteturais de conjuntos ideais, em contraste com a burocrática realidade ou a escassez de possibilidades (financeiras e também humanas) igualmente não passa em branco."

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 03/01/82.

O AMIGO AMERICANO ("Der Amerikanische Freund")

2011-08-07T23:14:00.005-03:00

"Uma irretorquível obra-prima do atual cinema alemão, este “O Amigo Americano” (Der Amerikanische Freund) que lamentavelmente ficará só até hoje no Cine Liberty e até quarta no Arouche-A, mas de maneira alguma poderá ser perdido pelo espectador que sabe selecionar o que vai ver, sob pena de ficar desconhecendo um dos mais pessoais e intrigantes tipos de filmes que se fazem hoje em dia.
Enigmático, ambivalente, difícil mesmo de acompanhar, Der Amerikanische Freund poderá ser, e realmente é, tudo isso. Mas é, certamente, pela forma original de emoção que desperta e pelo enriquecimento estético-humano que carreia para quem pode apreciá-lo, um espetáculo incomum, diante do qual a mera ação explicada das exigências convencionais torna-se de todo irrelevante. E nisso ele lembra “À Beira do Abismo”, o clássico “thriller” que Bogart estrelou em 46 na Warner, produzido e dirigido por Hawks, baseado em novela de Raymond Chandler.
“À Beira do Abismo”, ou seu clima, foi um dos acertos do período que mais a “nostalgia” cultuou ou tentou emular (veja-se, por exemplo, o Chinatown de Polanski). Mas nunca essa emulação foi tão bem-sucedida como no caso presente, muito embora este filme de Wenders felizmente (e dizemos isto não por depreciação) nada tenha do cinema americano daquela época e seja um produto típico e absoluto do cinema europeu (e germânico) atual, com seu mergulhar no mundo dos mistérios do desencanto existencial, feito de cidades deterioradas, de falta de espaço para a sobrevivência mínima, de total perda de valores.
Os americanos sempre puderam reconstituir a Europa. Marlene e Garbo estavam lá. Louise Brooks e Ella Raines ali nasceram mas pareciam vindas do outro lado do Atlântico. Lá atuavam e influenciavam, soberanos, Fritz Lang, Siodmak e outros tantos. O europeu, entretanto, não consegue copiar a América, esta é para ele um indômito quebra-cabeças. E, diante do maravilhoso europeísmo deste filme, podemos dizer (sempre sem depreciação): “Ainda bem!”.
Pois “O Amigo Americano” não precisava que Dennis Hopper impossivelmente tentasse reviver Shane, Gary Cooper, Joel McCrea e outros paladinos errantes e solitários da mitologia do western. E ao invés de americano amigo poderia ser búlgaro, iugoslavo ou polonês, que daria na mesma, embora para a sede de outras terras e nova gente do velho mundo, não pareça.
O essencial é que aqui estamos diante do encontro, da quase troca de destinos entre dois homens, do ambíguo ou do fatal surgimento da amizade entre ambos. Uma espécie de inverso da lenda criada por Poe em “William Wilson” ou da perene atração e repulsão do homem por seu “duplo”, conforme lembra o crítico inglês Tom Milne. O homem errante e disponível (Hopper) que sente admiração e/ou inveja e ao mesmo tempo tenta corromper ou destruir o outro, pequeno burguês comum e assentado, mas ambos já marcados pela transmutação de identidades e pela garra da morte (e o episódio da troca de presentes quando o estrangeiro dá ao alemão o cinescópio com figuras de mulheres desnudas é significativo).
Der Amerikanische Freund tem cinco elementos de interesse e validade absolutos. A modernidade e o estilo narrativos da direção de Wim Wenders é um. Aqui, já foram apresentados em especiais pelo Instituto Goethe quatro filmes seus (“O Medo do Goleiro Ante o Penalty”, “Alice nas Cidades”, “O Movimento Falso” e “No Decorrer do Tempo”) mas bastaria agora este Der Amerikanische para colocá-lo em situação equivalente à de Fassbinder e Herzog.
Igual exponencialidade encontramos na procura de ambientes e na cenografia de Tony e Heidi Ludi e na audácia, na secura, na precisão e nas pesquisas de plasticidade, aplicação de cor e clima da fotografia de Robby Miller. O mesmo vale para o comentário musical de Jurgen Knieper.

E coroando tudo, o protagonista, que não é o Denis Hopper corroído e envelhecido pelas drogas logo após seu êxito em “Sem Destino”, mas sim o extraordinário Bruno Ganz, o herói de “O Pato Selvagem”, o compulsivo sedutor da “Marquesa de O”, a vítima de “Nosferatu” que se transforma prazeirosa e satanicamente em vampiro, na recente versão de Herzog. Sem ser bem o tipo cavalheiro como Michel Piccoli (parece mais um carpinteiro, ou, como na história, um moldureiro) Ganz sugere entretanto mais elegância que o próprio Piccoli.
Sua afirmação aqui equivale à de Bela Lugosi em “Drácula”; a depois descurada revelação de Oliver Reed em “Mulheres Apaixonadas”, lembrando por outra – numa história também de inocente colocado entre a guerra de grupos de gangsters – a patética estréia de Wendell Corey, em 47, com I Walk Alone e Desert Fury.
Quando em cena - e ele está quase em todo o filme – para usar uma definição da crítica anglo-americana, é impossível que Ganz não monopolize – mesmerize – a atenção do espectador e, com o devido respeito e transpondo o fenômeno em termos masculinos, não nos leve a aquilatar o que foram as duas primeiras aparições de Greta Garbo, em 1926, na Metro, com The Torrent e “Terra de Todos”."

*Publicado originalmente em “O Estado de São Paulo” de 26 de outubro de 1980

AS FUGITIVAS INSACIÁVEIS

2011-07-24T19:47:00.003-03:00

“O técnico de equipe Antônio Pólo Galante ao passar a produtor, embora tenha tido em seu ativo boa participação em fitas de empenho como “Lance Maior”, “A Guerra dos Pelados”, “A Mulher de Todos”, “As Armas”, “As Gatinhas”, “As Deusas”, “O Último Êxtase”, recentemente ao enveredar por uma política mais ativa de produção mesmo trabalhando nas condições mais habituais do cinema paulista (nenhum apoio mas até perseguição da crítica, nenhuma ajuda na televisão, nenhum “cats paw” do PC ou dos “intelectuais” de escolinhas, clubinhos e outras igrejinhas, sem o apoio interessado e descarado de candidatos a cineastas “geniais”) mesmo não apregoando gato por lebre, mesmo sem desculpas nem mistificações, e sim, declarando abertamente suas intenções puramente comerciais, mesmo assim e com tudo isso tem feito o que ninguém mais tem conseguido: espontaneamente colocado alguns valores de realização e, sobretudo, de elenco em fitas que ele planeja, realiza e exibe com a maior presteza e eficiência possível. Só no ano passado realizou e apresentou cerca de cinco – a metade do que hoje está produzindo qualquer um dos ex-sete grandes estúdios de Hollywood. Pois chega-nos agora mais esta aventura, sem veleidades àquela mistificação, aquela mentira que os astutos rotulam de “compromisso com a nossa realidade”, chega esta obra diretamente violenta, com claros apelos ao sexo, à linearidade. Mas, mais requintada e ousada em certos pontos do que a quase totalidade do “cinema sério” que o “engagement” endeusa, pois vem com a coragem, por exemplo, de colocar no papel de um cáften e alcagüete, um tipo com o nível e a finura, mas há também a perfeita capacidade para convencer de um Pedro Stepanenko, além de dar o primeiro papel masculino a sempre proverbial grandeza cênica de Sérgio Hingst e de colocar nos papéis femininos novas presenças como a da bonita “nissei” Suely Aoki ou uma espécie de Mercedes McCambridge Rua do Triunfo como Zélia Martins. Fotografia, direção e ação tem a garanti-las – lado adventício da própria proposição à parte – a prática de Oswaldo de Oliveira.”

EXCITAÇÃO

2011-07-19T23:09:00.003-03:00

"Longe da bitola do estrelismo narcísico-comercial de David Cardoso (“A Ilha do Desejo”, “Amadas e Violentadas”, “Possuídas Pelo Pecado”, obras que no entanto facultaram sua revelação e os indícios de uma tendência plástico-formal para situações efeitos sado-eróticos-masoquistas), com “Excitação” o jovem diretor Jean Garrett surpreende até mesmo àqueles destituídos de preconceitos “culturais” que conseguiram aquilatar de suas potencialidades em melhores circunstâncias. Pois elas se impõem neste novo filme, o mais profícuo e caprichado que M. Augusto Cervantes produziu até hoje. Não que inexistam assimetrias, contradições e fortes lapsos de entrecho, com situações e personagens desnecessariamente tomados de empréstimo a muitas obras anteriores (“Suspeita”, “À Meia luz”, “A Teia de Renda Negra”, e até “A Sétima Vitima”, de Val Lewton). Mas é quase a primeira vez que algo saído da Rua do Triunfo revela um gosto e uma capacidade de manipulação, um germe de linguagem para realizações de diverso teor: unidade, plasticidade, imaginação cinemática. Outro tento é a belíssima fotografia colorida de Carlos Reichenbach, toda em tons neutros e esmaecidos (como se fosse concebida para a Kim Novak de “Uma Vez por Semana” ou a Dominique Sanda de “Une Femme Douce”), bem dosada, atmosférica – uma das melhores que nosso cinema apresentou em muito tempo. Sugestiva também a escolha de locais “marinhos” e o emprego das roupas (ponto sempre ridículo nas fitas nacionais do atual e falso “boom” comercial). Inesperadamente efetivo o “modernoso” comentário musical de Beto Strada. E só dignas de elogios as atuações de Kate Hansen com sua entrega e Betty Saddy com seu “charme” carioca, ainda que seja de lamentar as poucas oportunidades a Liana Duval e Abrahão Farc. Não há “engagement”, falta certamente o grande entrecho, mas é flagrante uma capacidade de vir à tona para as exigências visuais expressivas e atmosféricas do cinema. E isso é muito."

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 29/05/77.

O ESPÍRITO DA COLMÉIA ("El Espiritu de la Colmena")

2011-07-10T20:42:00.005-03:00

"Segundo Saura o filme que o levou a utilizar a menina Ana Torrent em “Cria Cuervos”, senão mesmo que até o levou a imaginar e realizar essa sua magistral obra que amanhã, além do Olido e Bristol, passará também para a tela do Del Rey, tal o êxito (inesperado para os exibidores) felizmente alcançado nesta nossa nem sempre errada cidade. Como Saura depois em “Cria...”, também “El Espiritu de la Colmena” teve problemas e foi embargado algum tempo pela censura franquista. Mas o importantíssimo é que – sem cinismos e desaforos e sem se aproveitar do próprio poder oficial para fazer “festividade” – ambas as películas foram realizadas em pleno regime de Franco. E, ainda que através da alegoria, do fantástico realismo passível no cotidiano e no trivial, dão-nos um excepcional retrato da verdade e do sofrimento, da alma e dos anseios espanhóis de todo esse longo período de 40 anos de ditadura sofrida por seu povo. E ainda por cima, segundo o atestariam, senão os prêmios obtidos nos festivais de San Sebastian, Chicago, Londres e Nova York e os elogios de toda a imprensa do mundo civilizado, com certeza os testemunhos pessoais de nossos colegas Carlos Motta e Ewald Filho que os viram há três e dois anos em Cannes e Buenos Aires. A ação começa numa tarde de domingo, no ano de 1940 (época em que o impacto e as feridas da Guerra Civil ainda se faziam sentir) quando a uma pequena aldeia chega um velho caminhão com dois projetores na sua ronda mensal de cinema ambulante pelo interior do país. E para uma audiência principalmente de crianças exibem “Frankenstein”, o clássico de terror feito por James Whale em 1931. Duas meninas assistem à sessão e se vêm possuídas de fascinação pela película, mas ambas de maneira diferente. Isabel faz de tudo um jogo de imaginação. Ana, porém, cujo pai cria abelhas e cuja mãe tenta reviver o passado escrevendo cartas sem destino a um amor perdido, Ana, dizíamos, num processo de descoberta básica toma a projeção como uma realidade essencial. E quando, identificando-se com o monstro, imortalizado por Boris Karloff, e divagando pelos campos, encontra um homem misterioso, um fugitivo político, todo um processo de confronto entre bem e mal, uma consciência de vida e morte vêm a tona e uma estrutura original de cine-dramaturgia de realismo mágico e expressão poética configuram um filme cuja apreciação e entendimento se tornam capitais. Obrigatório."

BIÁFORA POR GUSTAVO DAHL

2011-06-05T14:00:00.004-03:00

Na revista Filme Cultura deste mês saiu a segunda parte do perfil do Biáfora pelo cineasta Gustavo Dahl (a primeira parte pode ser lida aqui).

O Inácio escreveu uma coisa bem bonita no seu blog.

O PRÍNCIPE DA CIDADE ("Prince of the city")

2011-04-24T18:34:00.003-03:00

“O Príncipe não é príncipe, mas um policial de Nova York que é escalado com outros sete investigadores e recebe da Divisão de Tóxicos de Nova York a incumbência de chegar até os altos figurões que controlam o tráfico de narcóticos na cidade. Mas Daniel Cello (Treat Williams) o herói deste filme talvez muito longo (quase três horas), não é bem isso. Já teve, também três ou cinco pecados de corrupção em sua folha de serviço. Além do mais, para poder exercer seu trabalho, normalmente tem que fornecer drogas aos seus informantes e, também, escamotear certos fatos, manter muitas vezes a boca calada, já que o exercício da honestidade muitas vezes exige que se transgridam leis. Paradoxo? O que sempre uma pessoa observadora vê ou percebe em suas imediações, não torna apropriada a expressão. O fato é que não excluindo o seu “feminino” e amargo “O Grupo”, toda a carreira de Lumet esta marcada por essas histórias da falência, dos descaminhos ou dilemas das pessoas policiais, instituições, a própria justiça: “Doze Homens e uma Sentença”, “Mulher Daquela Espécie”, “Panorama Visto da Ponte”, “Limite de Segurança”, “Sérpico”, “O Homem do Prego”. Nós porém o preferimos quando emaranhado no ambiente pantanoso e clima hemingwayano dos preconceitos e rancores da atrasada vida no Sul do EUA. Como em “Vidas em Fuga” (graças também a Anna Magnani) e em “Brutalidade Desenfreada”, ambos, salvo engano, devidos também a Tennessee Williams.”.

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 18/04/82.

EM BUSCA DO OURO ("The gold rush")

2011-04-24T17:24:00.003-03:00

“Uma das obras mais endeusadas de Chaplin, esta, baseada nas trágicas conseqüências (que o filme aliás alude, mesmo porque suas proposições sempre seriam outras) da corrida ao ouro ocorrida no Alaska no último terço do século passado. O assunto deu, entre outras, margem a fita da Metro dirigida em 1928 por Clarence Brown com Dolores del Rio “Ouro” (“The Trail of 98”). Aqui serviu para Charlie Chaplin levar a termo um de seus empreendimentos mais bem sucedidos e mais uma vez colocar o pobre e desamparado homenzinho em meio à hostilidade e maldade do mundo que existia até dez anos atrás, mais ou menos. Ao tempo de seu primitivo lançamento entre nós (o que se deu iniciando uma fase cinematográfica do extinto “Teatro Santana”, a 10 de setembro de 1926) a publicidade informava que Chaplin havia declarado ver “este o filme pelo qual desejo ser lembrado para todo o sempre”. A fita foi logo “reprisada” a 17 de fevereiro de 1930 (no extinto Cine Rosário) e, a 13 de abril de 31 (no antigo República) e depois, já em versão sonorizada, musicada e comentada, e portanto reduzida, visto a supressão das cartelas para legendas – pelo próprio Chaplin, novamente reexibida a 14 de julho de 43 (no Cine Ritz, depois Rivoli) e a 30 de setembro de 1957 (no Art Palácio e circuito). O refinado Henri d’Abbadie D’Arrast, que havia colaborado como consultor assistente, desentendendo-se depois com Chaplin, fez com que seu nome fosse retirado dos “créditos” nessas duas reapresentações sonoras.

No mesmo programa será também “reprisada” outra, e das mais aplaudidas também, fitas curtas do realizador, “Vida de Cachorro” (“A Dog’s Life”), de 19 de abril de 1918, com cerca de 36 minutos e interpretada pelo realizador, mais seu irmão Sidney, o diretor Reisner e Edna Purviance.”.

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 30/01/77.

VENHA TOMAR CAFÉ CONOSCO ("Venga a prendere il caffè da noi")

2011-04-24T17:17:00.004-03:00

“Retorna esta ferina e excelente tragicomédia de Lattuada que aqui havia sido originalmente lançada nos Cines Metrópole e Astor a 3 de abril de 1972. O assunto é aquele já antes (“Ape Regina”, etc.) muito bem explorado e analisado pelo cinema italiano com toda a sua fidelidade à observação e a pintura verista de usos e costumes e fraquezas da condição humana: as várias e contraditórias vantagens e ciladas do exercício da virilidade. De novo Ugo Tognazzi é o funcionário público, é o homem normal e medíocre que um dia descobre que essa orgulhosa condição de “maschio” tanto é o caminho para fruir a vida como também pode se transformar no mais letal, no mais fatal dos encargos. Um dos mais representativos filmes de Lattuada, uma “reprise” bem-vinda, uma obra a ver ou rever.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 13/03/77.

A VINGANÇA DO HOMEM CHAMADO CAVALO ("The return of a man called Horse")

2011-04-24T17:07:00.003-03:00

“Apesar do diretor ser Irwin Kershner (o mesmo de “Stakeout on Dope Street”, um filme-B de 1958 que então a crítica “jovem” ou “mais aberta” considerou muito) a recepção a esta sequência de “Um Homem Chamado Cavalo” não foi entusiástica. Menos convincente e mais condescendente para com as implausibilidades da trama, escreve Clyde Jeavons no “Monthly Film Bulletin” de novembro último. Contudo, no elenco, um forte motivo para que se assista ao filme, mesmo tendo que aturar a presença de Richard Harris: a volta de Gale Sondergaard, a militante irredutível, a grande atriz de “Anthony Adverse”, “Emile Zola”, “Sétimo Céu”, “A Carta”, a Mulher Aranha de uma aventura de Basil Rathbone como Sherlock Holmes e de outro daqueles envolventes “thrillers-B” da Universal em meados dos anos 40.”

13/03/77

REDE DE INTRIGAS ("Network")

2011-04-24T17:01:00.003-03:00

“Uma espécie de “O Galante Mr. Deeds”, de “A Mulher faz o Homem” (“Mr. Smith goes to Washington”) ou de “Adorável Vagabundo” (“Meet John Doe”) transpostos para o nosso tempo e contra (contra?) a corrida ao dinheiro, às ambições de mando e gosto pelo poder – por estas razões em si nada além – que caracterizam principalmente o “boom” e o círculo vicioso da TV e do atual mundo das “comunicações”. De rosa, o “New Deal” de Capra-Roosevelt torna-se negro, pustulento, amarelo, marrom, tudo, menos branco, menos limpo. Resta agora saber, se como também no nacional “A Flor da Pele”, até que ponto, em arte, tudo o que existe se pode ser transformado em matéria de interesse de epopéia. A fita concorre a dez “Oscars” (filme, diretor, melhor atriz, dois atores centrais coadjuvantes masculino e feminino, etc.). Um dos atores, Peter Finch, concorre postumamente, fazendo um Gary Cooper ou James Stewart exausto e mais preocupado com o seu cargo que com a causa e esta sua derradeira interpretação é patética, conquanto não propriamente explêndida. E, assim, talvez o mais essencial do filme seja justamente o “porco capitalista” a cargo do Ned Beatty, que é o ator coadjuvante que concorre. Um inegável sinal de nossos tempos, repita-se.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 20/03/77.

LADY CARATÊ, EX-MULHER DRAGÃO ("Onna hissatsu ken")

2011-04-24T15:33:00.005-03:00

“Um intermediário norte-americano foi ao Japão e lá adquiriu dos estúdios Toei toda a sua produção de filmes de ação para distribuição em caráter mais internacional. Esta que aqui nos chega via Warner, remontada, dublada em inglês com o título idem de “Lady Karate” e como sendo co-produção sino-japonesa, outra não é senão a mesma “Mulher Dragão” que o cine Niterói (há cerca de 15 anos o distribuidor oficial das fitas da Toei no Brasil) aqui já lançou em março de 75. ao que parece, virão agora muitas dessas fitas. E o Niterói delas só terá direito de exibição no original japonês, sem dublagens e sem remontagens e só em seu próprio cinema, nesta Capital. Sintoma das situações de “imbróglio” a que chegou o negócio cinematográfico em toda a parte”.

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 20/03/77.

O INQUILINO ("Le Locataire")

2011-04-24T15:28:00.003-03:00

“Polanski realizou em sua pátria (a Polônia) e na Inglaterra, dois dos mais significativos e perfeitos filmes de nosso tempo: “A Faca na Água” e “Armadilha do Destino” (“Cul de Sac”). Os também ingleses “Repulsa ao Sexo” e “A Dança dos Vampiros” e os americanos “O Bebê de Rosemary” e “Chinatown” são igualmente obras tidas em grande ou mesmo na mais alta conta pela generalidade da crítica. Pois de Polanski temos agora esta primeira fita realizada na França. É a história de um homenzinho comum (o próprio diretor) que aluga um apartamento num dos prédios de Paris, um apartamento onde a inquilina anterior tentou suicídio atirando-se pela janela e, no hospital, desenganada, deverá morrer a qualquer momento. Críticos ingleses falam em Kafka, em Freud e em Poe. E a estes poderíamos acrescentar o clima de “The Lodger” (o “Jack o Estripador”, de John Brahm com Laird Cregar) e de “O Desconhecido” (“Passing of the Third Floor Back”), o misterioso clássico inglês que Berthold Viertel dirigiu em 1935, com Conrad Veidt. No elenco a talvez superestimada Isabelle Adjani de “Adele H” e o grande veterano Melvyn Douglas. Um dos lançamentos mais atraentes do ano.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 03/04/77.

AS INCRÍVEIS PERIPÉCIAS DO ÔNIBUS ATÔMICO ("The Big Bus")

2011-04-24T15:22:00.003-03:00

“Correria americana e com “problemáticas” atuais. Mas o molde ainda é o do clássico “Grand Hotel”, um “Grand Hotel” sobre rodas. E apesar de comédia, um filme sobre catástrofes (ou vice-versa). O primeiro ônibus atômico em viagem inaugural Nova York-Denver. Toda uma humanidade modernosa a bordo. Mas sabotadores e serviços de companhias petrolíferas colocam bomba a bordo. Lynn Redgrave faz uma figurinista ninfomaníaca, enquanto que Sally Kellerman e Richard Mulligan são um casal que briga furiosamente e depois se ama da mesma forma sem ligar aos presentes. E Stockard Channing é a “mocinha”, filha do inventor do veículo e ex-noiva do seu chofer, Joseph Bologna. Uma mocinha com nome de ator característico (no filme ainda hoje no Metro 2, há outra doce jovem com o contestatório nome de Meredith Baxter Birney; logo mais no nosso tão independente e pessoal cinema veremos alguma “linda e intelectual” atriz atendendo por algo assim como Nogueira Moncorvo Mattosinho, que claro, não podemos ficar atrás em tão magnas inovações.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 03.4.77.

VINGANÇA DO ALÉM ("Shadow of the Hawk")

2011-04-24T15:13:00.003-03:00

“A surpresa norte-americano-canadense da semana e talvez uma das mais efetivas da temporada, em que pese a opinião do convencional e meio sintomática no “Variety” de 14 de julho passado(“a banal low-budget action meller”). Como nunca se deve temer o que em média as visões deficitárias e pretenciosas costumam catalogar indiscriminadamente de melodrama (quando a produção não é estirada, pomposa, literatoide ou hipocritamente engajada) e como há bons motivos (cinemáticos) para se acreditar no George McCowan de “A Balada de Andy Crocker” (feito para a TV) ou do independente, pouco custoso mas curioso “A Invasão da Rãs” (com Ray Milland), convém assistir a este filme, que talvez estaria melhor programado nas salas Portinari, Centro 2, Marachá-Augusta ou Cinema Um. “Rodado” nas imediações de Vancouver, gira em torno de um velho doutor pele-vermelha, uma espécie de curandeiro, Page (Chief Dan George), que procura preparar o neto(Jan-Michael Vincent) para herdar o seu posto, aprendendo os ritos ancestrais e exorcisando os espíritos malignos, fonte de todas as desgraças que assolam a tribo. O desafio, porém, não fica sem conseqüências. E tudo em meio a uma narrativa que tem como pano de fundo a violenta beleza da paisagem da Columbia Britânica. Para quem apreciou o significado de “A Balada de Andy Crocker”, uma verificação obrigatória.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 29/05/77.

SETE MULHERES PARA UM HOMEM SÓ

2011-04-24T15:03:00.002-03:00

“Marlene Dietrich, depois de “Mulher Satânica” (1935), ou talvez ainda “Anjo” (37), e Greta Garbo, depois de “Duas Vezes Meu” (41), nem mesmo sendo as deusas que eram e mesmo tendo milhões de fãs pelo mundo todo, conseguiram condições para produzir sequer um novo filme como seria o certo – para elas e na sua grande forma (não falamos aqui em “A Mundana” (48) ou “Testemunha de Acusação” (58) pois estes foram apenas “chances” de período de sobrevivência que o talento e a excepcionalidade de Dietrich aproveitaram à quintessência. Se tal tivesse acontecido, sem dúvida alguma, em muita coisa o panorama artístico internacional teria sido outro. Bem! Não aconteceu com elas, nem em Hollywood, nem em Roma, Paris, Londres, nem em Berlim (culpa da ocupação e da vocação perseguidora e suicida do mundo aliado), nem em Estocolmo (culpa cabal, total e imperdoável de Ingmar Bergman). Mas aconteceu no Rio (com o auxilio financeiro e apoio específico do produtor paulista Elias Cury) para Lameri Faria ostentar todo o seu absurdo cinematográfico em mais esta pornochanchada terrível imaginada e perpetrada por seu marido, o também ex-ator Mozael Silveira. A história, como sempre acontece nas produções do gênero e intenções, não é exatamente o que o título sugere mas sim a narrativa claudicante de três ladras que se escondem numa casa que na ausência dos proprietários está sendo sublocada pelos irresponsáveis empregados. Aqueles chegando, a confusão é tanta que até a polícia acaba tendo que ser requisitada.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 29/05/77.

MONSIEUR ARKADIN, ex-GRILHÕES DO PASSADO ("Mr. Arkadin")

2011-04-24T15:00:00.003-03:00

“Num momento particularmente infeliz, em que nada se distingue qualitativamente, pela terceira vez consecutiva a “nota artística” é dada por uma casual “reprise” do Cine Coral. Agora esta obra de um virtuosismo narcísico e barroco que um Orson Welles egresso de Hollywood e ingenuamente deslumbrado com a Europa realizou em oito meses de locações na França, Espanha, Itália e Alemanha, tentando repetir a receita de “Kane”. Um torvo nababo contrata gente para investigar o “dossiê” de misterioso personagem internacional e a figura em questão é ele mesmo. A fita, em distribuição da Warner Bros. aqui, a 24 de março de 1958, na então falta de um cinema de arte (que agora temos, são quase dúzia e nenhum cumpre sua função) foi assustadamente relegada a um programa duplo do extinto Cine Broadway, onde provocou delírios de crocodilo naqueles conservadores ensaístas que primeiro esperaram o pronunciamento da crítica européia para depois se arriscarem a “gostar” de Welles.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 16/06/77.

A PORTA ENTRE O ÓDIO E O MEDO ("Les Guichets du Louvre")

2011-04-24T14:55:00.003-03:00

“Filme francês sobre uma batida mortal que em julho de 1942 os nazistas ordenaram contra 13.000 judeus franceses residentes em Paris e que 9.000 policiais burocratas, também franceses, levaram a termo, com a inconsciência e o alheiamento que só aqueles que costumam ser cegos e servis na obediência a ordens cretinas ou monstruosas são capazes. E que, infelizmente, é uma espécie de gente que continua a se reproduzir em massa, em qualquer lugar e para qualquer ocasião e tipos de opressão ou violência. Tratando-se de fita francesa onde tanta monstruosidade de tempo de guerra é praticada, o louvável (ou o inacreditável) é que o diretor Michel Mitrani tenha podido fazer questão de não mostrar nenhum soldado alemão, nenhum nazista, mas só o quinhão de culpa da prata da casa. Auto-escarmento de um tipo que sempre vimos em fitas americanas mas não em obra de outra procedência e muito menos francesas. Um filme a verificar, não obstante nos pareça inútil a colocação do interesse amoroso, romântico para poder esmiuçar e tornar mais pungente o drama.”

JESUINO BRILHANTE, O CANGACEIRO

2011-04-24T14:36:00.003-03:00

“Extemporânea excrescência do ciclo “cangaço” que só males trouxe ao nosso cinema. E fita que, não obstante o aumento do número de dias de exibição obrigatória, foi parar no crematório programa triplo de uma salinha “off” como a do Los Angeles. Aliás, tratando do outorgado aumento do número de dias, justamente agora quando a concorrência se faz entre o cinema brasileiro dos tubarões (sejam os das “liasons dangereuses”, sejam os das “chanchada”, da pornografia, dos “interesses paralelos” ou da absoluta falta de rebuços) e cinema brasileiro dos “peixes pequenos” (ou sejam os independentes, os “não alinhados”, os que não podem desrecalcar, gratificar ou coagir certos estrategistas da imprensa e da crítica, distribuição, etc., sejam os das fitas mais artísticas, das produções mais ingênuas ou simplesmente das menos matreiras ou apenas mais comuns, mais normais) o mercado ficou absolutamente fechado. Com a concorrência, antes dita desleal das fitas estrangeiras, quase que todos lutavam e saiam arranhados mas semi-ressarcidos. Agora com a concorrência inegavelmente brutal e desleal dos feudais nacionais, a luta está sendo impossível, como qualquer relação e informes feitos com coragem, imparcialidade, dados e critério pode demonstrar fácil e escandalosamente.”

AS DESQUITADAS EM LUA DE MEL

2011-04-24T14:34:00.001-03:00

“O que transforma um filme em “pornô-chanchada”? Nem sempre os atores caricatos ou circenses (porque às vezes interpretes excelentes não conseguem evitar a “debacle”, figuras comprometidas ao serem tratadas com dignidade resultam positivas). Nem sempre, também, o erotismo, o sexo cru ou a sua exacerbação, pois senão o que dizer do Boccaccio ou das literaturas ou obras “audazes” de vários países? Em verdade é a entrega prévia e sem rebuços a um tom subalterno, predatório e condenável, um tom (ou sua falta) que violenta qualquer realidade. E aqui temos mais uma vez ocasião de defrontar com o “problema”. Em primeiro lugar as histórias de Salvá (são duas e até que poderiam ser boas) não tratam do que o título sugere mas sim da reconciliação de duas desquitadas com os respectivos ex-maridos. E tudo fica comprometido pela intenção inicial de já querer fazer o pior, já “apelar”. No elenco, provavelmente o domínio deverá ficar com o verismo de tipo de Otávio Augusto.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 18/09/77.

A MULHER FIEL ("Une Femme Fidèle")

2011-04-24T14:30:00.004-03:00

“Quem assistiu àquela retransmissão de uma entrevista que Sylvia Kristel deu à televisão francesa sob a orientação de um Vadim como sempre imantado pela beleza feminina, já poderia adivinhar como seria o filme que eles iam ou já tinham feito juntos. E aqui está o filme. Uma espécie de combinação Marivaux com Alfred de Musset. Ou seja, o mundo suspicaz de um Marivaux muito mais “Commedia Dell’Arte” do que aquilo que se convencionou chamar “Marivaudage”, mesclado àquele prazer da dor e da punição amoroso do Musset que Michel Deville muito bem captou em “Raphael ou le Débauché”. O ambiente é da evocação e da delicadeza romântica, a fotografia é de Claude Renoir, a produção daquele atual cinema francês que ainda sabe ser cuidado e requintado quando quer (ou quando pode?). E Vadim, com a beleza translúcida, flamengo, diferente quase de “ménagere” de Sylvia (por incrível que isso possa soar aos ouvidos dos que não sabem observar), utilizando sua originalidade em ser uma das poucas figuras de mulher essencialmente holandesas que já passaram por uma tela de cinema, opera algo que merece ser visto.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 23/10/77.

GARIMPEIRAS DO SEXO

2011-04-24T14:22:00.002-03:00

“Um garimpeiro ao parar nas margens de um rio para matar a sua e a sede de seu cavalo, perde algumas pedras de sua sacolinha. E uma “Madame” da localidade, ao sair com suas 15 meninas para apreciar as dádivas da natureza “encontra as pedras e logo põe em campo seus “leões de chácara”...A idéia até que poderia ser divertida (se é que não foi tirada de algum velho filme de Yvonne de Carlo). O tratamento porém é que de maneira alguma poderia ser o mesmo das “auto-sátiras” (“A Irresistível Salomé”, “Era seu Destino”, “Escrava Sedutora”, “Rivais em Fúria”) que a Universal caprichadamente costumava produzir para Yvonne, sofrendo na ocasião a fúria indignada de toda a crítica brasileira que dizia só aceitar arte pura mesmo porque, no caso, em hipótese alguma a fita poderia pertencer ao atual cinema paulista e, em hipótese ainda mais remota, nossos exibidores teriam resolvido programá-la com tanta presteza e tão esperançoso carinho.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 23/10/77.

Obs.: Não consegui fotos do filme. Foto de Arlete Moreira.

A VIRGEM DA COLINA

2011-04-24T14:15:00.001-03:00

“Estamos estranhando que esta fita nacional, distribuída (e talvez parcialmente patrocinada) pela exibidora e distribuidora Haway vá mesmo ser lançada amanhã somente no Cine Marrocos, num “mood” que contraria em absoluto o que a mesma empresa fez com “Bacalhau”, Paranóia”, e “Emmanuelle Tropical”, mas enfim foi a informação que recebemos. E em todo o caso estamos diante de uma história e um tipo de proposição cinematográfica que se não é por retrocesso ou anacronismo, foge completamente ao horrível e adventício tipo de filmes (?) que os nossos exibidores estão adorando: falso pornô ou melhor pura pornografia, nenhum “metier”, mulheres feias e possivelmente “too aged”, sempre de tanga, avançando, sacolejando ou fazendo colidir as respectivas “regiões glúteas”, como gostava de dizer nosso primeiro antecessor Guilherme de Almeida. Aqui temos uma história de magia e erotismo que tem alguma coisa dos contos de Perrault e, talvez bastante, do filme japonês “Aido, a Escrava do Amor”, aliás distribuído há uns seis anos pela própria Haway. No elenco as figuras conhecidas são Jofre Soares e Joel Barcelos, mas mesmo não conhecendo, não “abrangendo” inteira e previamente sempre temos medo da concepção de elenco (“sui generis” no mundo inteiro) que vigora entre os teóricos (?), críticos (?) e realizadores (?) do cinema nacional. Contudo, a verificar.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 06/11/77.

O GABINETE DO DR. CALIGARI ("Das Kabinett des Dr. Caligari")

2011-04-24T14:12:00.003-03:00

“Uma das maiores lendas do cinema e talvez o filme que mais tenha influenciado outros filmes, cineastas, interpretes e demais setores de criação em todo o mundo, este que aqui foi originalmente lançado no extinto Cine Royal a 30 de outubro de 1923 e, depois, a cada década (menos a de 30) sempre reaparecia em cine-clubes e exibições especiais (40, 53, 66, várias vezes nesta), mas nunca em exibição satisfatória comercial. O que ocorrerá agora. O carro chefe do Expressionismo e do pictórico inovador no cinema (embora antecedido por “A Casa sem Portas nem Janelas” e “Homunculus”). Excepcional como ponto de partida, “O Gabinete do Dr. Caligari” é uma manifestação de legenda e de arte, de criação estética incomum sobre o qual se torna absolutamente indispensável uma análise acurada e apaixonada. Mais do que obrigatória.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 27/11/77.

CISCO PIKE

2011-04-24T14:08:00.003-03:00

“Um filme que quase não chegava a este nosso tíbio e nada inteligente mercado cinematográfico. Motivo aparente ou evidente: - coerência, subordinação às verdadeiras normas do cinema sério, do cinema de empenho ou seja, cruel e desencantada visão do mundo, um mundo como ele é em média ou sempre nos epílogos sem máscara. Aqui temos quase uma autopsia do que aconteceu, continua e continuará a acontecer depois do desvanecimento do “sonho” ou da loucura “hippie” surgida nos anos 60. Um cantor, guitarrista e compositor, Cisco Pike (o ótimo Kris Kristoferson, estreando como ator) que vai sentindo que as mudanças do mundo que o fizeram surgir e tornar-se ídolo dos adolescentes ainda sem encargos na vida, também agora o transformam numa “sucata” a caminho do envelhecimento, da obesidade e do “chômage”. Sua pequena (Karen Black) tenta desviá-lo “dessa realidade”. E um corrupto sargento de polícia (o grande Gene Hackman) que antes o havia levado até as grades, agora procura utilizá-lo para dar último e definitivo grande golpe, através da capacidade do ex-ídolo em lidar com o “mercado proibido”. Talvez algo como o cruel e patético “Cidade das Ilusões” de Huston esta fita dirigida pelo estreante Bill L. Norton, um dos raros bem sucedidos alunos de cinema formados pela Universidade da Califórnia. A ver sem dúvida.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 26/12/77.

LOLA MONTES

2011-04-24T13:52:00.003-03:00

“A trágica história de Lola Montes, a bailarina escocesa que se fazia passar por espanhola e filme cujas complexidades, ousadias ou rebuscamentos narrativos-formais (antecipações marienbadeanas?), ao ser remontado pelos produtores à revelia do seu diretor Max Ophuls causou-lhe, antecipou-lhe ou apressou-lhe a morte. Aqui primitivamente lançado no Cine Marrocos a 28 de julho de 1958, na versão mutilada (e por isso mesmo difícil, quase aflitiva?) volta agora em “reprise” pela “Ouro Filmes”, anunciado como “em versão integral”. Mas como, se esta tinha no mínimo 140 minutos e os anúncios indicam sessões do Paulistano de duas em duas horas?”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 26/12/77.

NEM OS BRUXOS ESCAPAM

2011-01-02T17:34:00.001-03:00

“Outra surpresa, impressionante, o resultado e a segurança de mais esta estréia de outro publicitário e realizador de documentários e “jingles” de TV: o gaúcho Valdi Ercolani. Também com estudos e prática de seu ramo na Europa (cinco anos entre Madrid, Paris e Londres) utilizando a colaboração (no roteiro) da teatróloga Isabel Camara e lançando mão de uma intriga parecida com a do penúltimo filme de Humphrey Bogart - “Veneno de Cobra” (“We’re no Angels”) e que gira em torno de um rapto à brasileira e de um desfecho que, embora apressado, é também um achado eficaz, desencantado e saboroso, Valdi Ercolani desde já coloca-se na primeira linha dos modernos cineastas do Brasil. No festival de Lajes a sua fita foi a que mais cativou o público e ele de lá saiu com um merecidíssimo prêmio especial que englobou todas as atividades que nela exerceu (produtor, diretor, autor, co-roteirista), além de ser candidata finalista a quase todas as categorias, das quais acabou conquistando ademais os dois prêmios de interpretação masculina, para a composição de Nildo Parente e para o verdadeiramente fora-de-série trabalho de Luis Linhares, que surge numa linha entre o “charme” e a classe de um William Powell e o procurado gênero “chofer de caminhão” do Ozualdo Candeias ator. Outro filme nosso que ninguém pode perder.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 14/03/76.

CINE METRO

2011-01-02T17:25:00.002-03:00

“Quase sem prévio aviso, quase sem margem para as gratas expectativas dos bons tempos do cinema, inaugurou-se (ou reinaugurou-se) quinta-feira última o atual Cine Metro, agora utilizando os balcões para bipartir-se em duas novas salas. Ao contrario da sensação, do verdadeiro marco na vida da cidade a entrega aos paulistanos do primitivo Metro constituiu a 15 de março de 1938, agora, não foi com a perspectiva de próximas aparições de Garbo, Crawford, Shearer, Loy, Rainer, Rosalind Russell ou Jeanette MacDonald, de Laurel e Hardy, dos três Marx, de Gable, Robert Taylor, Mickey Rooney, Robert Montgomery, não foi prometendo novas estrelas como Judy Garland e Vivien Leigh, não foi com o aval de cineastas do porte ou da sensibilidade de Brown, Borzage, Fitzmaurice, John M. Stahl, Z. Leonard. Não foi sequer na sala menor, com um esperadíssimo novo festival Greta Garbo, nem, também, com algumas “reprise” fora-de-série, como seriam as de “Greed”, “Aleluia”, “Fúria”, ou “O Pirata”. Contudo a velha sala – remodelada que foi – agora só poderá estar melhor do que aquilo a que começaram a reduzi-la desde meados de 1953, quando o fatídico embuste da “tela panorâmica” começou a deformar e deteriorar a sugestiva construção moderna de 38, com seus toques egípcios ou assírios e com aquele pano de boca, algo à Opera de Paris, que, excepção feita ao do também destruído insubstituido Cine Rosário, era quase o único aqui em São Paulo que com seus reposteiros de materiais graves e nobres predispunham à hoje mais do que nunca necessária reverencia pelo provavelmente sagrado, digno ou reconfortante espetáculo a que o público se candidatava. Enfim, sinais dos tempos, mesmo porque, tanto o antigo Cine Metro como a outrora respeitável MGM, verdadeiramente já não existam mais.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 04/04/76.

A VIDA ÍNTIMA DE TRÊS AMANTES ("Projection Privée")

2011-01-02T17:16:00.002-03:00

“Novo filme de François Leterrier, o desconhecido, o “não profissional”, que Robert Bresson lançou como ator em “Um Condenado à Morte Escapou” e que, depois, passando à direção com “Les Mauvaises Coups” (“Golpes da Vida”), filme que trazia nos primeiros papéis o trio Simone Signoret-Marcello Pagliero-Alexandra Stewart revelou-se um introspectivo, um intimista excepcional, diríamos até que superando seu descobridor. Dele aqui quase ou mesmo nada mais vimos. E é possível também que Leterrier pouco mais tenha depois feito. Mas agora temos película sua em cartaz. E ótima oportunidade para verificar se continua o mesmo diretor envolvente de “Les Mauvaises Coups”. Na história, um diretor e roteirista de cinema e seus casos com três mulheres, que foram, numa “ronde” acronológica, alternada e embaralhada, suas esposas e suas amantes. De permeio, um crime, misterioso como convém a todo o crime que se preza. No elenco, atrizes de primeira linha do cinema francês: Barbara Laage, Bulle Ogier, Jane Birkin e, sobretudo, a franco-espanhola Françoise Fabian, com todo um “charme” e fascínio que parece aumentar com a idade.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 25/04/76.

NINGUÉM SEGURA ESSAS MULHERES

2011-01-02T17:11:00.004-03:00

“Aproveitando o aparente lado “New Deal”, e mito Frank Capra de suas atividades na TV, Silvio Santos, fazendo cinema, tinha indiscutíveis possibilidades de render cifrões como Roberto Carlos e de se aproximar da essencialidade tipológica de Erasmo Carlos. Infelizmente, porém, ele resolveu ser só produtor, não ator e aproveitar no título apenas um dos “slogans” de seus tele-programas, comparecendo com um filme de quatro histórias, quatro diretores e outros interpretes. No episodio dirigido por Jece Valadão este teve o louvável espírito esportivo de colocar o barítono Paulo Fortes, que já havia “roubado” completamente dois de seus filmes anteriores: “O Enterro da Cafetina” e “A Filha de Madame Betina”. E no episódio dirigido por Miziara, o fotógrafo Meliande aconselhou a categoria cênica de Sergio Hingst. Com o devido respeito a firma produtora deu-lhes (bem como à veterana do teatro Elza Gomes) participação especial nos letreiros. Mas a Cinedistri, que pelo visto não respeita o mérito da Opera, grande presença cinemática ou longa carreira nos palcos, escondeu-lhes os nomes como se fossem simples coadjuvantes, repetindo, aliás, a façanha cometida contra o mesmo Hingst e Flora Geni em “O Dia que o Santo Pecou”. Um detalhe, apenas um detalhe. Sem importância para a distribuidora. Sintomático, porém.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 30/05/76.

A REENCARNAÇÃO DE PETER PROUD ("The Reincarnation of Peter Proud")

2011-01-02T17:06:00.004-03:00

“Um rapaz (Michael Sarrazin) costuma ter um sonho terrível: é outro homem, mais velho, está nadando nu no lago e acaba sempre assassinado a remadas por sua esposa que chega num bote e assim se vinga de suas infidelidades. O sonho o intriga, leva-o a um psiquiatra e depois o convence de que ele foi assassinado numa outra encarnação. Sua amante, cética, o leva ao local dos acontecimentos onde Sarrazin tem a surpresa de encontrar a mesma mulher do sonho e também a filha do morto (que realmente existiu). O protagonista se apaixona pela moça (Jennifer O’Neill, a elogiada beleza de “Foi uma Vez um Verão”). Seria incesto? O certo é que tudo caminha para um desfecho tipo “Les Jeux sont Faits”, de Sartre, ou “Reapeat Performance” (“O Destino se Repete”), de Alfred Werker. A fita embaralha espiritismo, noções de parapsicologia com convenções de “thriller” e do cinema comercial, mas parece ter sido planejada com cuidados hoje em dia não muito correntes e, ademais, sempre é lícito esperar um desenvolvimento mais fluente por parte do diretor J. Lee Thompson.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 06/06/76.

O PEDESTRE ("Der Fussgänger")

2011-01-02T16:59:00.002-03:00

“O terceiro filme dirigido pelo irmão de Maria Schell. E infelizmente mais um filme sobre um tipo “caça às bruxas” de que ninguém fala e que tem uma “utilidade” estratégica enorme. Mais um filme sobre um “plot” que é sempre o mesmo; mais uma desconversa sobre o “crime coletivo”, sobre o “complexo de culpa” do povo alemão. Simbolismo? Real preocupação para que não se repitam os horrores de 1933 ou de 1939 a 1945? Mas se eles já existiam antes, embora sob formas e latitudes, cinismos e intensidades diferentes, e continuaram e continuam existindo até hoje? E ademais, é claro que todos os que tinham índole e pensamento totalitário, inumano e oportunista, logo se passaram para outra bandeira, mais eficiente e mais perigosa e monstruosa, porque disfarçada, insidiosa e até mais velhaca, pois em “plena paz”, pelo menos há 30 anos está retardando, enganando e pervertendo a consciência do mundo, de maneira ainda mais irremediável. Todos, todos, porque salvo algum insano ou muito estúpido formalista, nenhuma dessas patologias, ou dessas mediocridades poderia se admitir fora de qualquer rolo compressor vitorioso e óbvio, de nenhuma “voga”, de nenhuma crista da onda, de nenhuma sensação eufórica de maioria e poder. Em todo o caso, vamos dar algum credito, mais uma vez. Tendo, porém, o cuidado, mais garantido, de contar de antemão mais com a raridade que é a “reentré” de atrizes antológicas, como Angela Sallocker (a “Joana D’Arc” do clássico de Ucicky), Kathe Haack (de “Emil und die Detetive”), Elisabeth Bergner (de “Nju” e “Ariadne”) e, sobretudo, de Lil Dagover, a Jane de “O Gabinete do Dr. Caligari” e a apaixonada das três histórias de “Pode o Amor mais que a Morte?” (“Der Muede Tod”) de Fritz Lang.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 11/07/7.

AMOR E MEDO

2011-01-02T16:53:00.004-03:00

“Segundo o folheto publicitário “a história de um jovem típico da década de 60: os Beatles, Vietnã, Biafra, a libertação sexual, a pílula e violência foram o seu dia a dia e sua formação” (?). “Ele faz cinema (que luxo, um luxo que de 15 anos até sua morte outro dia foi vedado a um gênio como Fritz Lang, bem como vedadas estavam ou estão sendo figuras míticas como King Vidor, Wyler, Brown, Siodmak, Sternberg, Mamoulian, Walsh, Machaty, Pabst e tantos outros) numa esperança de registrar e compreender o mundo” (!!!???). Produto típico de um proselitismo criminoso, gerado nas frustrações de “teóricos” com veleidades tolas ou ao contrário espertas lideranças e gerado na euforia “maria antonienesca” do juscelinismo e, depois, nas miragens e promessas janguistas de “poderes e mordomias” a alguns grupos privilegiados de “elites” e de “eleitos”, a fita até que tem certa beleza fotográfica e certa eficiência ao ligar sequências em branco e preto e sequências coloridas “rodadas” com um interregno de três ou quatro anos. Mas é obra de um “amor” e um “medo” que não pertencem a qualquer realidade conhecida, a não ser a dos “slogans” que fizeram a claque e a falta de “comunicação” do cinema-novismo. No elenco, uma Irene Stefania, que tinha tudo, mas não quis ser a maior atriz de cinema do Brasil (na certa lhe disseram que isso era “caretice”) e um inacreditável José Wilker, que se situa justamente no parâmetro oposto.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 15/08/76.

AS ALEGRES AVENTURAS DE UMA CÂMARA INDISCRETA ("La Gueule de L'Emploi")

2011-01-02T16:39:00.004-03:00

“Fechado por três dias devido às obras do Metrô, o Coral reabriu ontem exibindo esta comédia francesa sobre as peripécias de dois gaiatos que queriam ser atores de qualquer coisa (cinema, teatro, televisão) mas não tinham “physique du role”, não tinham a “boa cara” antes supostamente exigida pela profissão e por isso se dedicam a praticar, pelas ruas de Paris, todas as vigarices e pequenos golpes que podem imaginar (se estivessem aqui, a “pornochanchada”, o cinema “boca do lixo” ou o “realismo” da cinema-novice lhes teria poupado tão mudança de vocação...). O diretor vem da TV e parece adepto de uma “cinema-verité” sui generis, filmando nas ruas sem o menor preparo ou qualquer fingindo até que está focalizando Micheline Presle (que faz o papel dela mesma), sem que a referida saiba que é a figura mais famosa (ou conhecida) contratada para o elenco.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 22/08/76.

O PERDIDO ("Der Verlorene")

2011-01-02T16:28:00.004-03:00

“Em 1945, em Londres, um eminente médico recorda o que lhe aconteceu em Hamburgo, em 1943, durante o nazismo, quando dirigia um instituto de pesquisas biológicas e induzido por um colega, estrangulou sua noiva julgando-a uma prostituta e espiã a serviço dos ingleses. E, ao reencontrar o antigo companheiro, toma a única atitude que crê justa. De certo modo, como também “Sinais de Vida” de Herzog, uma alegoria de nítido endereço, na linha agora utilizada pelo checo Milos Forman em “Um Estranho no Ninho”. Cinema político por excelência, “Der Verlorene” foi considerado por Lotte H. Eisner “o melhor filme alemão desde 1933”. Mas muita gente bem mais interessada em cinema e não em “composição”, como o crítico espanhol Carlos Fernandez Cuenca, situa esta primeira e derradeira direção do ator Peter Lorre ao voltar à sua terra após seu triunfo mundial em “O Vampiro de Dusseldorf” e após um exílio de 20 anos, como um filme realmente importante, realizado com inspiração e rigor. No “script” está o autor do argumento de “Marrocos”, o primeiro filme americano de Marlene: Benno Vigny. Na fotografia, o renomado Václav Vich reporta-se de maneira brilhante à melhor tradição do cinema alemão, do Expressionismo ao Realismo. E na música, o mesmo Willy Schmidt-Gentner que com suas canções húngaras talvez tenha sido o fator maior do êxito mundial e fulminante de Martha Eggerth em “Sinfonia Inacabada”. E mais uma obra-prima do cinema mundial que nunca chegou ao nosso público.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 22/08/76.

RITMO ALUCINANTE

2011-01-02T16:22:00.002-03:00

“Eis um dos descaminhos para os quais anda sendo de tremenda “inocência útil” a apressada, a irrefletida, a quase irresponsável portaria que mandou aumentar o número de dias para exibição obrigatória de filmes nacionais, quaisquer que sejam eles e tenham sido produzidos com quaisquer outras intenções que não as de fazer cinema ou então diversão com decência e conhecimento de causa. Por outra, uma tendência perigosa anda se instalando no também já quase falido setor das “programações de arte”: pensar que qualquer fita com “rock” ou música “pop” é substitutivo à altura. Aqui, segundo o folheto publicitário, temos o “registro dos concertos (?) que levaram mais de 40 mil pessoas ao campo do Botafogo no primeiro grande festival de “rock” do Brasil, no verão de 1975.” Como vemos um “Woodstock” ou um “Big Sur” à guanabarina. Claro que os três cinemas imediatamente franqueados à programação da fita (e que em média têm sido negaceados a outras películas nacionais não adventícias, mais trabalhadas ou de maior empenho) devem ter sido dados mais pensando na atualidade comercial do “affair” Rita Lee. Nisso o ex-INC, o ministro Ney Braga ou os teóricos “nacionalistas” não pensam. E assim vai, prosseguindo a odisséia, o irrevelado calvário do cinema nacional.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 12/09/76.

A QUERMESSE HERÓICA ("La Kermesse Heroique")

2011-01-02T16:15:00.003-03:00

“Um dos mais bem sucedidos filmes da arrancada do cinema francês nos anos de pré segunda-guerra. Curiosamente, produzido com capitais da Tobis alemã e que teve também uma versão germânica na qual atuou o extraordinário e malogrado Willi Dohm. Na Flandres ocupada pelos espanhóis, uma cidadezinha prepara a sua quermesse quando chega a notícia de que tropas dos invasores deverão acampar ali. O burgo-mestre se acovarda e faz-se passar por morto, mas sua mulher e todas as demais, tais Lisistratas ao inverso, resolvem enfrentar com outras armas o inimigo. Malícia, evocação heróica e alardes técnicos tornaram a fita famosa, obra de antologia. Aqui foi originalmente lançada a 30 de agosto de 1937, no antigo Ufa Palácio, hoje Art.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 19/09/76.

FRITZ LANG

2011-01-02T16:11:00.003-03:00

“Só a homenagem à grandeza insubstituível de Fritz Lang que o “Museu de Arte de São Paulo” e o “Instituto Goethe” estão levando a efeito, já tornariam fora de série a programação especial destes novos sete dias de cinema. Lang só houve um. E, infelizmente, com toda a probabilidade, não surgirá outro. Assim o que há a fazer é prestigiar irrestritamente esta programação que hoje prossegue no Grande Auditório do MASP com o primeiro filme falado do cineasta desaparecido: “O Vampiro de Dusseldorf” (“M”), de 1931. De amanhã a quinta, no Pequeno Auditório e sempre em duas sessões (18:30 e 20 horas), teremos respectivamente “Pode o Amor Mais que a Morte?” (“Der Mude Tod”), de 1921, “Dr. Mabuse, o Jogador” e “Dr. Mabuse, Inferno do Crime”, ambas de 22, bem como o encerramento na quinta, com a repetição do maravilhosamente romântico, hoffmanesco e, ao mesmo tempo, antecipador e premonitório “Metropolis”, de 26. A esse ciclo faltaram, é verdade, “Os Espiões”, “A Mulher na Lua”, “O Testamento do Dr. Mabuse”, “Coração de Apache” (“Lilion”) bem como as raridades anteriores a “Der Muede Tod”. Mas oportunidade não deixará de haver para corrigir a lacuna, mesmo porque a obra de mestre Lang exigirá sempre contínuas apreciações, ininterrupta reverência.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 26/09/76.

KUNG FU CONTRA AS BONECAS

2011-01-02T16:05:00.002-03:00

“O último filme da Servicine, a associação entre os produtores Alfredo Palacios e Antonio Pólo Galante, recentemente desfeita. Mais uma direção confiada a Adriano Stuart, elemento de TV e dublagem, responsável por um dos episódios de “Cada um dá o que Tem”, por “Bacalhau” e pelo último episódio do atual “Já não se Faz Amor como Antigamente”. Intento de conjugar as “virtudes” dos “western-soja”, com as do finado gênero “cangaço” e da atualmente vivíssima “pornochanchada”. A nenhum propósito: o primeiro filme que a inimitável Rosalind Russell fez, como estrela absoluta, em 1936, chamava-se no original “It Had to Happen” e aqui recebeu o título de “A Lei do Destino”.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 03/10/76.

UM GIGANTE CONTRA O NAZISMO ("Valter Brani Sarajevo")

2011-01-02T15:58:00.003-03:00

“Fita iugoslava. Sempre possibilidade de alguma obra-prima, como “Quando Passa o Amor” (“Dvoje”), “Encontrei Ciganos Felizes”, “Tri” ou “O Caso de Amor da Funcionaria dos Correios”. Isso para só falar de uma que aqui chegou comercialmente – o excepcional “Dvoje”, que passou desapercebido no Cine Barão e que, de 1961 lá, já era uma antecipação ao “L’Eclisse” que o próprio Antonioni, na Itália, só faria no ano seguinte. Ou para falar de outros três que aqui só vieram numa mostra diplomática de “exibições especiais”. O diabo é que todas eram obras de Aleksandar Petrovic ou Dusan Makavejev. E nada sabemos do diretor Hajrudin Krvavac. Ademais, há a saturação e a “utilidade stalinista” do assunto abordado: ainda a II Guerra Mundial, quando já estamos em plena, letal, subliminar e safadíssima III. Contudo...”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 10/10/76.

OS VELHOS TEMPOS DO GORDO E O MAGRO ("Laurel and Hardy's Laughing 20's")

2011-01-02T15:17:00.005-03:00

“A segunda das três coletâneas de comédias silenciosas da dupla Laurel & Hardy surgidas entre 1964 e 1967. A primeira, “The Crazy World of Laurel & Hardy”, produção do abalizado Hal Roach até hoje ainda não chegou a este propalado segundo maior mercado importador do mundo (cinematograficamente o mundo andaria muito mal se isso fosse verdade, mas felizmente tudo não passa de calunia e de truque). A terceira, “As Confusões do Gordo e o Magro” (The Further Perils of Laurel & Hardy), distribuída pela Fox, aqui nos chegou em meados de 1968. Esta, também compilada por Robert Youngson com “As Confusões” mas produzida pela Metro, aqui foi originalmente lançada nos antigos Cines Jussara e Pigalle (hoje, respectivamente, D. José e Arouche A) a 14 de julho de 1966. É uma mostra dos primeiros fulgores da carreira de Stan e Oliver, com a evocação dos filmes e sequências que os dois inesquecíveis artistas fizeram em 1915 e 1920 (quando ainda não haviam se encontrado) e 1920 a 1927 (quando então se reuniram para formar uma dupla cômica que, só após seu ocaso, sua dissolução e o drama pessoal que a ambos atingiu, a crítica internacional veio a descobrir ser uma das maiores, senão a maior, de toda a História do Cinema). A fita esteve anunciada para 28 último mas só agora – parece – entrará em cartaz e em circuito maior.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 24/10/76.

SOMBRAS NA ESCADA ("The Spiral Staircase")

2011-01-02T15:02:00.004-03:00

“Refilmagem de “Silêncio nas Trevas”, o “thriller” que o diretor Robert Siodmak (então com grande prestígio graças seus êxitos em “A Dama Fantasma”, “Dúvida” e “The Strange Affair of Uncle Harry”) e a atriz Dorothy MacGuire (recém revelada em “Claudia”, “A Tree Grows in Brooklyn”, “The Enchanted Cottage”) fizeram em 1945 sobre uma empregadinha muda à mercê de um misterioso assassino que sempre escolhia vítimas inermes ou defeituosas. O filme de Siodmak constituiu um triunfo para ele e para Dorothy. Esta porém, não obstante ser bom o diretor Collinson e das mais bonitas e interessantes a intérprete Jacqueline Bisset, não poderá reeditar a “reussite” anterior: outros são os tempos, os problemas, os interesses, nenhuma mais a boa fé, a ingenuidade, a entrega absoluta do espectador.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 24/10/76.

OS ÚLTIMOS DIAS DE MUSSOLINI ("Mussolini: Ultimo Atto)

2011-01-02T14:55:00.003-03:00

“A primeira tentativa do cinema italiano abordando como tema central a figura, a ação ou o fim de Benito Mussolini no terreno do filme de ficção ou da reconstituição histórica. Em 1961 surgiram ao mesmo tempo dois documentários – um co-dirigido por Rossellini e Pasquale Prunas e outro devido a Mino Loy e Adriano Baracco. Nenhum deles chegou até nós. Mas de 1933 a 1937 aqui foram vistos documentários de exaltação fascista como Mussolini Fala! (que ao que parece não era italiano), “Camicia Nera” e “A Viagem Triunfal de Mussolini à Líbia”, além de um filme sobre o fim militar de Napoleão, interpretado por Werner Krauss e com entrecho do próprio “Duce”, “Cem Dias” (“Campo di Maggio”). Houve também, em papel não central, a excelente composição do alemão Mario Adorf em “O Delito Matteotti”. Agora temos esta visão dos últimos dias do ditador, suas ilusões, seus conluios, sua tentativa de fuga e seu fuzilamento em Giulino de Mezzera. O diabo é que a fita foi feita por um elemento alucinadamente stalinista como Carlo Lizzani. E um stalinista jamais poderá ter compreensão verdadeira de qualquer fato. Sobretudo um fato como esse, o que, não obstante a nenhuma simpatia ou a repulsa que pode nos merecer a pessoa ou, principalmente, a ação política de Mussolini, foi dos primeiros em que, nos ingênuos dias do término da II Guerra Mundial, o stalinismo não teve dúvida em mostrar como sob seu guante, iria ser a “paz aliada” que o humanismo havia conquistado com incalculável sacrifício. No papel-título e dirigido por Lizzani, Rod Steiger é mais ameaça negativa de maneirismos que perspectiva de “performance” significativa. Como o sintomático “Coronel Valério” temos o inexpressivo Franco Nero, enquanto que Lisa Gastoni (questão de idade à parte) é uma razoável adequação à personagem de Claretta Petacci. De qualquer maneira, obra destinada a certa polêmica.”

A VINGANÇA DO RENEGADO ("Kozure Ôkami: oya no kokoro ko no kokoro")

2011-01-02T14:41:00.003-03:00

“Samurai de aluguel procurando “clientela”, ou seja, procurando quem o chame para servir de executor às vinganças ou ódios alheios. Mas tem sua vingança pessoal para executar, seu ódio interior para aplacar, pois ao mesmo tempo que “trabalha” para terceiros está no encalço dos bandidos que lhe massacraram a esposa. Acompanha-o o filho criança (Masahiro Tomikawa), que lhe serve de motivo para não esquecer, nem esmorecer. Quarta fita da série “Renegado”. A primeira foi a “Saga” do referido. E as outras, “O Filho” e o “Regresso”. Esta foi produzida pelo excelente Tomisaburo Wakayama (uma espécie de Charles Laughton oriental e lembrando o grande ator inglês na juventude, ao tempo do Nero de “O Sinal da Cruz”, do uxoricida de “Castigo do Céu”, do cruel do Dr. Rameau de “A Ilha das Almas Selvagens”) para a firma de seu irmão Shintaro Katsu e com ele próprio no papel central. O diretor Buichi Saito, um dos muitos egressos da falecida Nikkatsu, talvez seja até mesmo mais que um bom artesão. O fotógrafo é o mesmo de “Rashomon”.

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 21/10/76.

MOTORISTA DE TÁXI ("Taxi Driver")

2011-01-02T14:27:00.003-03:00

“O filme que conquistou o prêmio máximo em Cannes em maio último, nova realização do mesmo Martin Scorsese de “Sexy e Marginal” e de “Alice não Mora mais Aqui” e dos aqui (claro, naturalíssimo) inéditos “Who’s that Knocking at my Door?” (1969) e “Mean Streets” (73). É a história de um veterano de guerra que para encontrar solução para seu patológico problema de insônia decide tornar-se motorista de táxi nas noites de uma Nova York que já se tornou tudo o que de mais fantasticamente cruel, sórdido, acromegálico e antropofágico as grandes cidades do mundo virão a se tornar. Em suas corridas noturnas o protagonista vai se transformando, se revelando ou sendo presa de uma terrível catarse que o faz passar por situações ou estados de mania sexual, voyeurismo, espionagem e chantagem partidária, veleidades de paladino “quaker” e, finalmente, justiceiro homicida. O novato Robert De Niro vive o papel e parece ser o melhor tipo da linha ítalo-verista encontrado nesta atual fase neo “neo-realista” e contestária do cinema americano. Destaque também para a música de Bernard Herrmann, que faleceu no Natal passado e a quem a fita é dedicada. Uma obra de empenho, que precisa ser vista.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 17/10/76.

CIDADE DAS ILUSÕES ("Fat City")

2011-01-02T14:15:00.004-03:00

“Numa pequena cidade da Califórnia, um boxeador decadente encontra um jovem em quem vê qualidades para o ringue e o envia a seu antigo treinador e empresário. Mas o rapaz não tem êxito na tentativa. E em volta de ambos vai aparecendo, se conflitando e se aglutinando todo um microcosmo de gente maltratada pela vida: a esposa que abandona o marido, os bêbados, os desiludidos, a amante de um prisioneiro negro que tudo faz para conseguir um dia tê-lo liberto e de volta. Segundo um crítico inglês o mais agressivo e densamente irônico filme de John Huston desde “Os Pecados de Todos Nós”. Uma obra amarga e valiosa que – para variar – quase ia correndo o risco de não encontrar lançamento aqui em São Paulo e que também não só por isso merece todo o prestígio que possamos lhe dar.”

MEUS HOMENS, MEUS AMORES

2010-08-13T14:16:00.004-03:00

“Tentativa para criar um estrelismo cinematográfico com a cantora Rosemary. Debalde. E reforçando com mais um papel forte para Silvia Salgado, a falada “Pombinha” de “O Cortiço”. Aqui Rosemary, como “Carrie, a Estranha” foi reprimida por uma mãe moralista e fanática religiosa (Bárbara Fazio, que aliás não tem tipo nem idade para parecer mãe de Rosemary). Silvia, ao contrário, pode viver uma vida livre do eufemismo “moça de nosso tempo”. Rosemary transfere suas neuroses para a pintura e cai presa fácil de John Herbert. Silvia depois de tudo consegue um marido “machista”, mais velho do que ela (Roberto Maia). Ambas, que moram no mesmo prédio de apartamentos, têm seus caminhos cruzados mas não se conhecem, acabam tomando uma mesma drástica decisão: eliminam os porcos chauvinistas de suas vidas ansiosas por uma “plena libertação, uma total auto-realização”. Em tempo: de José Miziara era o mais normal episódio daquele malogro que foi a estreia de Silvio Santos como produtor – “Ninguém Segura essas Mulheres”. E a mão de Carlão Reichenbach como iluminador e câmera sempre constitui dado positivo.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 25/02/79.

AS BORBOLETAS TAMBÉM AMAM

2010-08-13T13:42:00.003-03:00

“Volta ao gênero “não cômico” o maior artesão de nosso cinema, o iugoslavo J. B. Tanko que nos começos da década de 50 era o mais empenhado realizador do Rio, com filmes como “Areias Ardentes”, “A Outra Face do Homem” e até mesmo as “chanchadas” “Metido a Bacana” e “Sai de Baixo”. Só que volta não ao grande drama propriamente dito. Mas, a julgar pela sinopse, ao sensacionalismo e acúmulo folhetinesco e improvável de taras e desgraças de certas intrigas de Nelson Rodrigues, como “Os Sete Gatinhos”, “Toda Nudez Será Castigada”, “O Casamento”, “A Dama do Lotação” etc. Cumpre porém sempre esperar o melhor de Tanko como perfeito manipulador da imagem. Mais uma vez associando-se a produção, o ator Paulo Porto reservou para si um personagem para o qual não possui nem o “esprit” nem o “physique du role”. Mas uma Rossana Ghessa muito melhorada e o sensualismo cinemático ultimamente adquirido pelo tipo de Neila Tavares deverão garantir o elenco.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 20/05/79.

BRAÇOS CRUZADOS, MÁQUINAS PARADAS

2010-08-13T13:33:00.002-03:00

“Indo ao Belas Artes-Portinari para ver “Providence”, recebemos na calçada um volante sobre este filme. Filme mesmo? Rodado quando? E em que bitola? Segundo o mesmo folheto, ele trata do seguinte: “greves de maio, as eleições para o sindicato dos metalúrgicos de São Paulo e as fraudes, Joaquim Andrade, a oposição sindical e as comissões de fábrica, o ministro do trabalho e a estrutura sindical estão neste documentário sobre a luta do movimento operário durante o ano de 1978”. “Não Perca!”. “Este é um filme importante porque mostra a experiência vivida por nós trabalhadores nas nossas lutas de 1978. (Zé Pedro – oposição sind. Met.)”. “Um dos únicos filmes antigetulistas (?) feitos pelo cinema brasileiro. (Jean-Claude Bernardet (?) – crítico de cinema).”. “Documento da história política da classe operária (Otávio Ianni – sociólogo)”. Transcrevemos literalmente. Só as interrogações são nossas e apenas por lembrar as preocupações e os primeiros artigos do crítico sobre “Les Dames du Bois de Boulogne”, “Les Amants” e “Europa de Noite”.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 27/05/79.

RUBY, AMANTE DIABÓLICA ("Ruby")

2010-08-13T13:22:00.003-03:00

“Em “Carrie, a Estranha”, um incongruente papel de mãe fanática religiosa, sexualmente reprimida, moralista, e ao mesmo tempo de aparência “hippi”. Mas uma aparição de sucesso. E eis Piper Laurie, a antiga estrelinha adolescente das fantasias orientais da Universal dos 50, novamente de volta em mais uma composição forte nesta história de uma mulher que obsessivamente vai eliminando os que, tempos antes, assassinaram seu amante. A crítica habitual não se entusiasmou com o lado mais convencional ou melodrama da intriga – na certa queria na tela o monolitismo dos problemas sócio-coletivos com os quais em absoluto quer qualquer coisa na vida real. Mas o filme, dirigido por Curtis Harrington, o exegeta de Josef Von Sternberg e também realizador de “O Terceiro Tiro”, “Obsessão Sinistra” e outros na TV, ao que parece é de encenação cuidada. Verifique-se.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 24/06/79.

ÓDIO

2010-08-13T13:15:00.003-03:00

“Um filme que talvez diga o suficiente do sopro de morte e do tremendo tufão de mercantilismo e mediocridade que assolam o nosso atual ambiente de cinema. Realização de Carlo Mossy, o ator que narcisisticamente Antonio Carlos Fontoura lançou em “Copacabana Me Engana” e que, contrariando as “esperanças” cinemanovistas revelou-se um declarado cultor da pornochanchada à carioca (“Com as Calças na Mão”, “O Massagista de Mulheres”, “Safadas e Gostosas”, etc.) e que, sintomaticamente, por não pertencer explicitamente ao mesmo subgênero, foi marcada pelos exibidores e ficou mofando desde seu lançamento no Rio (agosto de 77) nas já tão abarrotadas prateleiras da inefável “Embrafilme”. A trama-base é aquela que já foi utilizada por Archie Mayo em 36 (“A Floresta Petrificada”) e por Wyler em 54 (“Horas de Desespero”) e aqui no Brasil também por Alfredo Sternheim (“Paixão na Praia”, 71) e por Antonio Calmon (o mais recente “Paranóia”). Ou seja, bandidos invadem um estabelecimento ou uma residência, aterrorizam e mantêm impotentes seus ocupantes ou moradores.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 08/07/79.

O GUARANI

2010-08-13T13:11:00.002-03:00

“Fauzi Mansur tem em seu ativo filmes com o capricho ou o realismo “noir” de “Sinal Vermelho – As Fêmeas” ou “A Noite dos Imbecis”. Mas, atendendo a atual voga “chauvinista-comercial”, criada aliás pelas tartufices cinemanovistas, chega-nos agora com mais esta versão do – em termos nacionais – muito filmado romance de Alencar, com todo seu romantismo desbragado e nem sempre coerente com as próprias idealizações a que se propôs (estamos falando do livro, já que ainda não vimos o filme). Este aliás foi o que mais esforço exigiu do diretor-produtor, o que lhe demandou mais tempo e mais exaustiva preparação. Estava, aliás, ao que parece, nas cogitações de Glauber Rocha. Talvez por “boutade”. Mas quem o levou a efeito foi Mansur que, para o papel de Ceci, tinha o que depois da proeza solitária em “O Rei da Noite”, era a intérprete ideal – Dorothée-Marie Bouvier. Ela, entretanto, a julgar pelas fotos, foi tratada, penteada e vestida como se fosse Dorothy Leirner, um outro estilo de personagem e de interpretação. No elenco, porém, entre colocações e contigências típicas do atual cinema nacional, e a julgar igualmente pelas fotos, outras adequações ou expressões como Luigi Picchi, Flavio Portho, parece que até Jofre Soares e, sobretudo, uma breve intervenção de Paulo Domingues que, com o bom uso de sua máscara pesada e expressiva, chega até a lembrar o “fácies” de Bruno S., o excepcional protagonista de “O Enigma de Kaspar Hauser”.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 29/07/79.

AMANTES DO MEIO DO MUNDO ("Le Milieu du Monde")

2010-08-13T12:53:00.004-03:00

“Será que o nosso mercado exibidor (e mercado é bem a palavra) tem alguma possibilidade de regeneração? Pois em 10 dias uma mesma distribuidora (Ouro) e um mesmo circuito (Sul-Paulista) colocam na praça uma raridade – fita suíça. Por coincidência, devida ao mesmo realizador (o elogiado Alain Tanner) da outra (“Jonas, que Terá 25 Anos no Ano 2000”, em lançamento no Paulistano). O cinema suíço como não poderia deixar de ser, nestas suas co-produções com a França sofre influência do cinema vizinho, do melhor, diga-se de passagem. A ação se passa em Ellgoz, um ponto de referência geográfica entre o sul e o norte da Europa e gira em torno da candidatura de um apolítico (o francês Philippe Leotard) para as próximas eleições legislativas da comarca e seu romance ilícito com uma garçonete italiana (Olímpia Carlisi). Política e moralismo entram em choque, facultando um apanhado, ao que parece muito precisa e meticulosamente suíço de uma situação e uma sociedade.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 05/08/79.

A MONTANHA DOS CANIBAIS ("Mountain of the Cannibal God")

2010-08-13T12:47:00.004-03:00

“Ursula Andress no papel de uma linda jovem (ou de uma determinada balzaqueana?) que tudo faz para participar de uma expedição às selvas da Nova Guiné, a fim de encontrar o pai. Cedo, porém, descobre que os demais como, aliás, também seu pai, estavam interessados mais num tesouro perdido ou numa não localizada mina de urânio. E a narrativa, como depois dos paradigmas fatalistas de “O Tesouro de Sierra Madre” ou “O Segredo das Jóias”, só pode terminar com a frustração dos ambiciosos. Crocodilos, iguanas, canibais, mil perigos como no “cinema de aventuras delirantes” da década de 30 sobre a África. Surpreendentemente a revista francesa “L’Ecran”, apesar do diretor ser Alberto De Martino, gostou da fita considerando-a “une veritable fête fantastique” e até faz referência a um William Witney que talvez seja o mesmo cineasta dos “westerns-C” da Republic que descobrimos e elogiávamos há uns 30 anos e que aqui era motivo de hidrofóbica reação por policialismo “engagé” da crítica e cineclubismo brasileiros à época.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 05/08/79.

SE NÃO ME MATO, MORRO ("The End")

2010-08-13T12:40:00.004-03:00

“Humor negro à 1978/79, ou seja, com Burt Reynolds (em sua segunda tentativa como diretor) no papel de um homem que, ao saber que tem pouco tempo de vida, procura antecipar-se ao talvez, doloroso fim. Mas tanto fracassa em todas as suas tentativas que resolve desistir. Eis senão quando um maníaco de origem polonesa (o inadequado e cacetíssimo Don de Louise) cisma de liquidar o agora apavorado herói. Brincadeiras por brincadeiras com a morte, será que esta poderá ser tão efetiva e inventiva quanto a que em 1937/38 foi feita por Carole Lombard em “Nada é Sagrado”, quando ela a princípio supondo mesmo ter sido contaminada pelo “radium” e depois, já sabendo que não mais iria morrer, expertamente procurava bancar a moderna mártir da ciência a fim de, por 15 dias, fugir à mediocridade de sua cidadezinha, aproveitando os 15 dias de glória e estada paga oferecidos por um jornal sensacionalista na então mundialmente mítica Nova York. E por falar em Carole, o mais certo é que a fita atual valha principalmente pela breve intervenção que nela tem a veterana Myrna Loy que ainda em seu antepenúltimo filme “Paixões Desesperadas” (“From the Terrace”), estava soberba como a mãe alcoólatra e ressentida de Paul Newman.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 12/08/79.

ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO ("Alien")

2010-08-13T12:32:00.003-03:00

“Depois do “específico” “Guerra nas Estrelas” a Fox não poderia deixar de tentar outro enorme êxito garantido. E o conseguiu. Este filme que foi dirigido pelo mesmo Ridley Scott do caprichado “Os Duelistas”, mas também teria sido o mesmo se o diretor não caprichasse visualmente, visto que desde há muito que ninguém se preocupa com certas superadas questões de cinema. Epítome de varias obras anteriores do gênero. De “Os Niebelungos” e “Metrópolis” a “2001” e “Destino à Lua”. Efeitos de som à Val Lewton, mas sem o universo de Lewton. E por aí. Até aí nada de mais, porque não há certos direitos autorais. O grave é a acachapante e inócua mobilização de riqueza material e técnica. E, mais que isso, o fato desta ser a primeira fita que parece ditada por especialistas fílmicas do “Women’s Lib” de Betty Friedan, com pitadas ao gosto do “Gay Power”. Veja-se por exemplo a estrela Sigourney Weaver que, como parece convir muito agora, tem nome de homem em arte e no papel: ela aqui é o comandante Ripley; o vilão é um falso homem, um homem-robô e o mocinho, que não derrota o monstro, é chamado por Dallas e atende às ordens de uma “Mother” (computador). Jane Fonda fez mais escola do que jamais esperaria. E muito mais poderá ser observado.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 19/08/79.

A TABERNA DO INFERNO ("Paradise Alley")

2010-08-13T12:28:00.004-03:00

“Sylvester Stallone continua podendo fazer impunemente o que, antes dele, a maioria dos grandes talentos que passaram pela indústria do cinema – caso que não é o seu – jamais conseguirão. Ou seja, fazer o que antes só era possível para os execrados ditadores dos grandes estúdios na fase superáurea: criar um “astro”, forjar ou impor um diretor. Nem Orson Welles logrou furar o bloqueio, romper o sistema. Stallone, porém, beneficia-se (?) dos percalços da época que aí está. Desta vez, depois de “Rocky, um Lutador” e de “F.I.S.T.”, ele ataca de novo. E, como lhe convém (será?), situa a ação no baixo mundo, desta vez na notória “Cozinha do Inferno” do Bronx novaiorquino. Mas surpreendentemente o elemento “deflagrador” aqui não é ele mas sim o ator que interpreta seu irmão (Lee Canalito), um grandalhão e gentil, predestinado à triste trajetória dos boxeadores. A avaliar com cautela.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 19/08/79.

NA VIOLÊNCIA DO SEXO

2010-08-13T12:21:00.003-03:00

“O que houve foi luta, ou imposição desastrosa, pretensão atrevida, patética demonstração de luta pela auto-subsistência de gente que abraçou a carreira por equívoco? Porque, a julgar pelos resultados...Mais uma consternadora demonstração de “cinema” nacional. Pelas barbas do Profeta, o que o erotismo ou a sensualidade humana tem a ver com isto? As frases de publicidade do folheto são tão “edificantes” que até mereceriam uma transcrição. No dia do casamento, noivo (o inacreditável Edgar Franco), ao chegar à porta de casa com o carro é surpreendido por quatro bandidos que o subjugam e obrigam a presenciar a curra que fazem com a esposa (Novani Novakoski, ou Novany Novakovsky, tão bonitinha coitada, que até parece a Anne Baxter dos primeiros tempos). Depois, a sede de vingança, a louca procura. Até que um dos assaltantes (Ewerton Castro, judiado), julgando-se prejudicado pelos companheiros vem se insinuar junto a Edgar para também tirar sua desforra.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 09/09/79.

O PREÇO DO PRAZER (ONDE ANDAM NOSSOS FILHOS?)

2010-08-13T12:15:00.003-03:00

“Até a grafia dos nomes em letreiros, cartazes, anúncios e o que mais exista, muda a cada “meio de divulgação”, indicando, no mínimo, a mais absoluta falta de sofisticação, para não dizer outra coisa. Assim é o cinema “boca do lixo”, paulista ou carioca, tanto faz. Moralismo, incipiência, total senso de “oportunidade”, apelação direta para os mais auto-conflitantes ingredientes. Dois adolescentes classe média, de uma pureza pouco encontrável nos dias de hoje, conhecem e se envolvem com um casal da alta sociedade que é o próprio vício e prostituição física e moral encarnados, mais um figurão homossexual inescrupulosíssimo, etc. Maniqueísmo, ouvir cantar-se o galo sem saber onde ou como, etc., etc. Tudo vale, até recorrer-se a éticas máximas e advertências de um esquerdismo bem antiga porta de fórmica do interior.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 09/09/79.

SONATA DE OUTONO ("Höstsonaten")

2010-08-13T11:53:00.003-03:00

“O Paramount 1 (147 lugares) vai ser o novo “cinema de arte” da empresa Haway, em substituição ao “Marachá-Augusta” e Vitrine? Esperamos...Em todo o caso, começa de maneira importante, com este esperadíssimo filme em que Bergman-Ingmar dirigiu sua compatriota Bergman-Ingrid. Certo, um Bergman de alto nível, mas...mas que nos faz pensar ser mesmo melhor que ele não tenha, como durante muito tempo o mundo almejou, cumprido de seu dever de fazer filmes para, além de Ingrid, outras suecas como Viveca e como a Garbo. Porque, assim de momento, o menos que se pode dizer é que Ingmar transformou Ingrid em coadjuvante de Liv Ullmannn. Vale dizer – ainda não renunciou ao gregarismo egocêntrico, narcisista, cômodo e temeroso. E enquanto continuar enxergando em seu pai presbiteriano a reencarnação dolorosa do reverendo Bronte...”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 28/10/79.

SANSÃO E DALILA ("Samson and Delilah")

2010-05-09T22:27:00.003-03:00

“Nova exibição do antepenúltimo “superépico” de Cecil B. de Mille, o cineasta que burlou o “Hays Office” e prosseguiu na sua linha de espetáculos essencialmente profanos (como os que fazia no início dos anos 20, principalmente com Gloria Swanson, ou como a fantasia “Madame Satan”, que ele fez para a Metro em 1930) utilizando temas aparentemente bíblicos ou históricos – como os de “O Sinal da Cruz”, “Cleópatra”, “As Cruzadas”, “Os Dez Mandamentos”, etc. Mais intencionalmente “kitsch” ou mais eficiente golpe que usar para os papéis de Sansão e Dalila os “estrelismos” ‘pin-up” de Victor Mature e Hedy Lamarr não poderia haver. E assim vai todo o filme, que aqui foi originalmente lançado no primeiro quadrimestre de 1951, no circuito Art Palácio e Opera, ano depois foi repetido e, a 27 de agosto de 1962, voltou ao cartaz nos cines Paissandu e Astor.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 09/03/80.

CINZAS NO PARAÍSO ("Days Of Heaven")

2010-05-09T18:44:00.003-03:00

“Com “Terra de Ninguém” (“Badlands”), Terrence Malick surpreendeu, apresentando uma obra, embora diversa, quase ou tão importante quanto o “Cidade das Ilusões” (“Fat City”), de John Huston. Agora temos o segundo filme do cineasta formado em Oxford e Harvard, este “Days of Heaven” que conquistou um prêmio de direção no festival de Cannes e o “Oscar” de fotografia para o franco-espanhol Nestor Almendros. A ação se passa no período anterior à entrada dos Estados Unidos na I Guerra Mundial e tem como motivo e “background” as migrações dos trabalhadores do norte para as fazendas do Sul, à chegada do verão. Alguma coisa de “Vinhas da ira”, algo de “O Pão Nosso” de King Vidor, algo do citado filme de Huston e muito do “Badlands” do próprio Malick. Sobretudo, ao que dziem, visão pessoal, rebeldia e poesia. Uma poesia sem a qual dificilmente há cinema. A ver, claro.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 09/03/80.

KRAMER X KRAMER ("Kramer Vs. Kramer")

2010-05-09T18:43:00.003-03:00

“Não foram só os ditadores ou os demagogos tipo Perón, Poujade, Getúlio, Ademar que descobriram que lábias popularescas rendiam dividendos. Ou a lição pegou, ou o mundo já estava não “maduro para o socialismo” e sim para a “enganação”, ou, então, os cínicos e carreiristas ante a “dialética vigente” ou as “condições históricas de nosso tempo” automaticamente perceberam que é muito fácil nesta triste época fazer do “engajamento” e da “não alienação” um excelente meio de vida, de empreguismo, de gazuas para as sinecuras, as mordomias, o brilho “vedetístico” de toda espécie. E numa época assim em que tanto se deturpa, tanto se finge, tantos lobos colocam as roupas e os óculos da avózinha, mais que por seus méritos cinemáticos é importante verificar que o cinema já não tem mais medo de voltar a fazer fitas como esta: apenas mais uma história sentimental que torna a acionar a velha trama de “O Campeão”, de 31, com Wallace Beery, Irene Rich e Jackie Cooper, na qual marido e mulher, separados, disputam o filho de sete ou oito anos. As roupagens e certos usos e diálogos, ou melhor, certas aparências e frases feitas são do malfadado tipo “estou em consonância com a minha época”, etc. Mas o conflito básico é mesmo aquele, a que, aliás, ainda neste ano, Franco Zefirelli igualmente tornou a usar na versão com Jon Voight, Faye Dunaway e o menino Ricky Schroeder. Este “Kramer...” já recebeu 12 prêmios entre a imprensa estrangeira em Hollywood e os críticos de Nova York e Los Angeles. E está fortemente cotado para nove “Oscars”, dos quais o mais merecido é o que indica como coadjuvante (aliás deveria ser como atriz) Meryl Streep, realmente uma personalidade, uma ductibilidade e uma figura de classe, entre tanta gente no cinema atual completamente destituída disso tudo. Só por ela o filme que parece vai iniciar nova e importante fase lançadora no Cine Metrópole, já deve ser visto.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 30/03/80.

O CAVALEIRO ELÉTRICO ("The Electric Horseman")

2010-05-09T18:42:00.004-03:00

“Quem Jane Fonda pensa que é? Gian Maria Volonté? Talvez ela bem que gostasse, mas acontece que não será com filmes como “Julia”, “Síndrome da China”, “Amargo Regresso”, “Comes a Horseman”, que poderá emular as façanhas de Volonté em “Condenado Pela Máfia”, “Investigação sobre um Cidadão...”, “Mattei”, “Sacco e Vanzetti”, a “Classe Operária vai...”, etc. Ademais, em matéria de tipo “suffragette”, o mundo dificilmente poderá ter outro impacto como o dado pelo surgimento de Katharine Hepburn nos anos 32/35. Em matéria de bastidores de rodeio” também ninguém poderá igualar o “Céu de Prata”, de Norman Foster em 52, ou a consciente rebeldia de Susan Hayward em “Paixão de Bravos”, no mesmo ano. Ademais quem é que poderá levar por demais a sério o fato de o também discutível Robert Redford viver de brilharecos como garoto-propaganda com uma roupa vermelha com luzes que apagam e acendem? E com Jane, mais uma vez vivendo essas pernósticas e ocas figuras de microfone em riste, apenas preocupadas com o “Ibope” e a “notícia” (isto é com seu rendoso emprego) e mais sinistras intelectualmente que qualquer carrasco ou guardião de campo de concentração? Não Jane, é melhor voltar a ser apenas mulher vulnerável como a de “A Noite dos Desesperados”, que lá é que é o seu lugar. E não obrigue ou induza mais o diretor Pollack a falsas cavalarias.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 29/06/80.

OS HOMENS QUE EU TIVE

2010-05-09T18:41:00.002-03:00

“Liberação feminina por influência do pseudo vanguardismo de certos cursos universitários, das pregações stalinistas de nossas escolas e “clubes de cinema”, e também da convivência, do universo “boca do lixo” de sete ou oito anos atrás. Em verdade, uma dessas obras pseudo-amplas, que mais contribuem para desencadear as iras das censuras contra o que eventualmente se tentasse de sério, observado e fundamentado no gênero. O papel foi escrito para Leila Diniz, mas com a morte desta confiada à interpretação de Darlene Glória, que, com seu tipo mais pesado e passional, deixou ainda mais problemática a personagem. E essa personagem “ideal” é uma mulher casada que se comporta como homem, que faz o marido aceitar o amante dela em casa, já que este “ficará sempre em segundo plano”. Mas que não satisfeita com isso, leva a sua liberação a uma “franqueza” impossível mesmo para o homem da sociedade vigente. E, o pior, a intriga parece uma contrafação muito “campus”, muito badernas da época, de “L’Harem”, o filme que Marco Ferreri realizou na Itália em 67, com Carrol Baker como uma mulher compulsivamente desafiadora e egocêntrica que compele cinco homens (Renato Salvatori, Gastone Moschin, Thomas Milian, etc.) a aceitarem um “ménage” simultâneo. Mas eles não suportam as pressões e os antagonismos da experiência e o resultado é trágico. Claro, no filme de Ferreri há toda outra densidade de propósitos, há exatidão de observação humana, coerência dramática, possibilidade de discussão e exame em outro nível.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 10/08/80.

ELE, ELA, QUEM?

2010-05-09T18:33:00.007-03:00

“Se grandes diretores italianos como Antonioni, Vancini, Lattuada ou Zurlini, por acaso tivessem nascido no Brasil, ou em São Paulo mais especificamente (como por pouco não aconteceu com o ator Renato Salvatori), seria bastante provável que os dirigentes da Embrafilme intencional e deliberadamente os mantivessem na lista negra dos “não financiáveis” da empresa. Mas, quando à testa de sua diretoria, Roberto Farias não esqueceu de dar oportunidade a Luiz de Barros, claro que levando em conta sua “longa folha de serviços”. E aqui está o resultado dessa visão cinemática “sui generis” dos arremedos de Erich Pommer, Samuel Goldwyn, Irving Thalberg ou Val Lewton que temos por aqui. Na história “selecionada”, moça um tanto estranha, após a necessária intervenção cirúrgica, acaba se transformando em homem e casando com sua melhor amiga de colégio.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 26/10/80.

OS OITO TÚMULOS ("Yatasuhaka Mura")

2010-05-09T18:33:00.006-03:00

“A mais ambiciosa das novidades a entrar em cartaz. Uma “superprodução” de 151 minutos, dirigida e co-produzida por Yoshitaro Nomura, veterano eficiente em vários tipos e gêneros de filmes: comédias juvenis ou familiares, histórias de aventura, dramas românticos e até mesmo épicos como “Castelo de Areia”, um dos grandes êxitos de seu estúdio (a Shochiku) nestes últimos cinco anos. Aqui novamente uma narrativa de lances grandiosos, acrescida de um tom fantástico e demoníaco como em muitas outras que sempre nos vieram do Japão: a revivescência de uma maldição. 400 anos antes, oito samurais haviam se apropriado das terras dos aldeões de Okayama, matando-os todos. Durante quatro séculos o crime ficou impune, mas, em nossos dias, os descendentes de um dos expoliadores mais cruéis, o guerreiro Taijimi, começam morrer em condições estranhas. E tudo como nas lendas dos filmes sobrenaturais de Mizoguchi (“Contos da Lua Vaga”), Masaki Kobayashi (“As Quatro Faces do Medo”), Gosho, Shindo ou Uchida termina em meio ao justiçamento tardio, mas ainda impressionante, pelo fogo que arrasa e purifica tudo, as seqüelas, os sentimentos de dor, culpa e tragédia. O roteirista Hashimoto foi colaborador assíduo de Kurosawa. Outra credencial, a música de Yasushi Akutagawa, o filho do autor do conto original que deu motivo a “Rashomon”.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 28/12/80.

A LAGOA AZUL ("The Blue Lagoon")

2010-05-09T18:32:00.004-03:00

“Há 31 anos, nem mesmo tendo como heroína uma Jean Simmons, então no auge de sua beleza juvenil e de um talento vibrante e intenso, que então a equiparava a todas as grandes inglesas do cinema (Merle Oberon, Vivien Leigh, Deborah Kerr), e nem com a direção de um roteirista-diretor inteligente como Frank Launder, esta história de dois adolescentes que ficam definitivamente perdidos numa ilha deserta deu bom rendimento fílmico. O que esperar agora, quando o cinema americano de há muito (salvo raríssimas exceções como “Norma Rae”, “Heróis sem Amanhã”, “A Rosa”, “Cinzas no Paraíso”) não nos apresenta filmes à altura de suas melhores tradições? E ainda mais, tendo como diretor o mesmo elemento responsável por “Nos Tempos da Brilhantina” e “O Rapaz na Bolha de Plástico”? E como intérpretes, uma figura mais do que discutível como a já obesa e aburguesada Brooke Shields, que foi lançada em “Pretty Baby”, e um galãzinho “atual new look” que parece ainda mais problemático que aquele que, em 1948/49, foi impingido à indefesa Miss Simmons? Ademais, há o escárnio de uma dublagem, nos cinemas que discriminamos acima e que devem também ser discriminados pelo espectador cioso de seus direitos (a menos que seja analfabeto, o que já seria outro problema a examinar).”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 18/01/81.

A GOSTOSA DA GAFIEIRA

2010-05-09T18:31:00.004-03:00

“Se os seríssimos diretores africanos (Ola Balogun) Ousmane Sembene, Oumarou Ganda e outros) soubessem como o cinema brasileiro de “carregação” pensa que mitifica a mulata, a mulher de parcial origem afro, na certa teriam um colapso. Pois aqui, via o produtor-diretor Roberto Machado, vem mais uma irresponsabilidade ou uma torpeza tipo “Uma Mulata para Todos” etc. “Jovem e fogosa mestiça, considerada a rainha da gafieira, conquista todos os homens com sua beleza e fascinio, sabe como enredá-los, e nisso é inigualável, servindo-se de todos eles, mas não se prendendo, nem repetindo nenhum. Um dia some e os saudosos vêm a saber, por um deles, que seu comportamento “Mae West” (nos filmes) era causado por se saber condenada pela leucemia”. Como vemos, uma espécie de “Vitória Amarga” de Bette Davis, mas uma “Vitória Amarga” de cinema comercial carioca...”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 21/06/81.

INFERNO ("The Evil")

2010-05-09T18:30:00.004-03:00

“Quando o cinema de horror contava com figuras de exceção como Karloff, Lorre e Lugosi, diretores como Browning, Whale, Freund, ou, depois, produtores como Val Lewton e toda a sua equipe, bem como o requintado nível de encenação gótica que para o gênero sabiam dar estúdios como os da Universal, Metro, Columbia, RKO, e todos os demais, aliás, a triste verdade é que havia gente que reclamava, tanto que o maravilhoso Lugosi foi tão injustiçado que mal chegou a ter 20 horas de presença em cena em todos os 60 que consetiram que atuasse nos seus 24 anos de carrreira. Pois, agora, a Hammer comete todos os exageros e primarismos e há quem não só a justifique e até ache bom. O mesmo vem ocorrendo com a moderna e deteriorada produção ianque do gênero. Da qual, aliás, esta fita parece ser mais um exemplo. Que não deixou de ser parcialmente elogiado e até comparado ao mais recente e superestimado “A Casa da Noite Eterna”. Na história, psicólogo e esposa, acrescidos de um professor e uma estudante e mais pessoas que a eles se juntam, vão parar numa casa mal-assombrada, na qual está sediado o diabo, em pessoa ou em espírito (Victor Buono).”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 02/08/81.

SALVE QUEM PUDER, A VIDA ("Sauve Qui Peut, La Vie")

2010-05-09T18:29:00.003-03:00

“Desde 67, ou mais precisamente desde “Week-End” (“Week-End à Francesa”), que Godard não fazia um filme que pudesse ser exibido correntemente. Nesse meio tempo, ele, que até então havia aberto caminho e obtido renome internacional com obras muitas vezes puramente para epater ou para mistificar, fez um número igual de fitas deliberada, pretendida ou falsamente “marginais”. Chega-nos agora este “Sauve Qui Peut (La Vie)”. Terá saído uma obra do domínio cinemático de “Uma Mulher é uma Mulher”? Ou da inesperada qualidade e mistura de gloza e humanismo que era “Tempo de Guerra”? Ou, ainda, do cinismo e “mau caratismo” merecidos e funcionais de “A Chinesa”? Difícil saber. Mesmo porque ninguém fica onze anos no limbo da contestação sem causa real, como ele ficou, sem se ressentir desse desmando. Em todo o caso, o filme, que foi um dos que integraram a recente V Mostra Internacional de Cinema de S. Paulo, levada a termo pelo MASP, poderá ter sua margem de interesse e merecer uma verificação.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 15/11/81.

O TORTURADOR

2010-05-09T18:28:00.003-03:00

“Fita que não conseguia lançamento comercial e que a 22 de outubro passado foi anunciada para estrear no Canal 4, mas lá só passou uma semana depois. Como receávamos não chegasse aos cinemas correntes, então a registramos. Mas é com a maior satisfação (não há motivo plausível para que fita alguma, sobretudo nacional, não seja regularmente lançada numa sala de cinema e para o público comum), que hoje tornamos a tratar dela nesta secção. O assunto promete um “prato” para aqueles “profissionais” que vivem a reclamar das torturas e repressão, mas praticam toda a sorte disso quando tem algum miserável ou pequeno poder em mãos. Tudo, porém, fica só no engodo, pois o produtor ator Valadão, sensacionalista ou espertamente, fez a ação girar não em torno do “Brasil de 1964” mais sim da caça a um antigo criminoso nazista (e este é Rodolfo Arena!...) refugiado no Paraguai. De qualquer maneira, a presença de um grande ator nosso: Otávio Augusto.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 06/12/81.

A VERGONHA DA SELVA ("La Honte de la Jungle")

2010-05-09T18:27:00.004-03:00

“O ambiente brasileiro não muda, isto é, não melhora. Não adiantam as utópicas esperanças, nem as promessas algo tartúficas de cada noite de São Silvestre. Pelo menos em matéria de cinema, que é matéria de cultura, e todos sabem o que a correlação significa...Pois aqui temos um desenho animado “pornô”, franco-belga de 1975 ou 76 e que, a partir de sexta-feira estará nos Cines Império e Majestic, e vai ficar, aos olhos de muita gente, como o primeiro do gênero. Mas primeiro em quê? A ser feito? Em qualidade? Ou a aparecer por estas hostilíssimas plagas? Em verdade é o primeiro a furar o bloqueio de nossas sucessivas e manobradas ou manietadas, ou apenas cinzentas, censuras e o primeiro a despertar o interesse ou a cair nas possibilidades práticas de nosso também cinzentíssimo binômio distribuição/importação, distribuição & programação/exibição. Trata-se de uma realização do gênero “para adultos” (será que só o sexo é coisa para adultos?). o que vale dizer, é uma realização erótica ou pornô, em figuras animadas e narrando em “mood” condizente as aventuras de um “Tarzan” (ou, no caso, “Tarzoon”, ou ainda “Shame”, isto é Vergonha), que vive numa selva onde o supervilão é Bazonga, uma rainha má que sonha conquistar o mundo e que sendo mulher e careca só pode ter inveja da linda e vasta cabeleira de June, a companheira de um Tarzoon tão pouco apolíneo e tão medíocre que já começa a ser pornográfico por sua figura, tão mirrada e tão quase desagradável a vista, acrescida de falta de coragem e outros atributos “convencionais” que faziam a glória do personagem original criado por Rice Burroughs e inúmeras vezes explorado pelo cinema. Tudo neste “animado” procura ser anti o bem estabelecido. Mas a verdade é que o primeiro desenho realmente audaz e contestador é Fritz, the Cat, que Ralph Bakshi realizou há precisamente um decênio (71) e que por todas aquelas “cinzentices” a que acima aludimos, até hoje não pôde chegar a nosso tão maltratado público. Ou, trata-se apenas de um caso de pouco exercício do direito de reclamar, ou apenas de carência de demanda?”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 03/01/82.

INSACIADOS

2010-05-09T18:26:00.003-03:00

“Empenho de Libero Miguel, um elemento de rádio ou dublagem, que o produtor Alfredo Palácios tentou lançar com “Ipanema Toda Nua”, uma espécie de adaptação um tanto “oportuna” demais de um entrecho, “Os Tristes”, que Sylvan Paezzo havia escrito anos antes para o Grupo “Cena 4”, no qual começou Juan Bajon. Mas também um filme na linha “sensacionalístico-erótico-violenta” ora dominante no cinema de São Paulo, que lida com a “ansiedade” sexual de uma jovem, filha de um figurão da política envolvido com uma quadrilha de contrabandistas de diamantes. O citado empenho está presente numa espécie de “ballet-orgíaco” a que Miguel dá uma conotação unusual para o gênero. Mas a grande credencial é a presença de Tânia Gomide, o melhor de “Aluga-se Moças”, com seu arzinho petulante e amuado e sua plástica jovem e sugestiva.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 31/01/82.

A MULHER DO DINHEIRO ("La Banquière")

2010-05-09T18:25:00.009-03:00

“Quem diria que a austriacazinha Romy Schneider, maravilhosa já desde sua adolescência e, pela desculpa do lado dulcuroso da série “Sissi”, tão atacada e tão ridicularizada pelos afetados e exigentes cosmopolitas-nacionalistas de toda a parte que se julgavam donos de uma refinada formação francesa e a acoimavam de “ser alemã”, acabasse sendo a mais popular e respeitada atriz do cinema francês? Pois aqui está ela de novo, num dos filmes que fez pouco antes de mais duas tragédias que a abalaram recentemente (a morte de seu filho menino e a doença cruel que dizem anda rondando). O filme é este La Banquière, no qual a filha de Magda Schneider e Wolf Albach-Retty vive uma espécie de “Stavisky” de saias, não uma scroc como o homem do célebre affair de inícios da década de 30, mas sim uma audaciosa aventureira das finanças que realmente existiu na França dos anos 10 até 1936, quando morreu. A figura real, Marthe Hanau, gordinha, pequena e de feminilidade insuficiente, não tinha a beleza nem a personalidade de Romy, mas era também temperamento forte e dominante. Nem todos os fatos aqui são mostrados como realmente se passaram. Mas o diretor Francis Girod diz que procurou mais a magia romanesca passível no cinema e aproveitar ao máximo as vantagens de uma produção ambiciosa custosa e caprichada. Esperamos que o tenha conseguido, porque, embora dele não tenhamos visto “O Trio Infernal”, uma história de passionalidade, anomalia e crime, com a própria Romy, mas os também maravilhosos Michel Piccoli e Andrea Ferreol, vimos um “Emmanuelle, Privilégio de Poucos” (“René, La Canne”), com Sylvia Kristel, Gérard Depardieu e Piccoli, que era de uma assimetria e nulidade a toda prova. Contudo, Romy é sempre Romy e vale a pena arriscar, ainda que seja só por ela.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 14/02/82.

NÉA, A NINFETA ("Néa")

2010-05-09T18:25:00.008-03:00

“O incidente entre Libertad Lamarque e Evita Duarte (depois Eva Perón) que resultou no banimento da cantora, a vaidade e o exibicionismo da “starlet” Tilda Thamar que também se refugiaria (mas em Paris) e até entraria para o cinema francês e conseguiria casar com um conde (Toptani), as então audácias nudistas e eróticas em celulóide por Isabel Sarli e Libertad Leblanc, que fariam com que Isabel fosse amargamente recriminada e até proibida de trabalhar em seu país. A toda essa crônica agitada de atrizes argentinas, devemos também adir o caso de Nelly Kaplan. Nascida em 1931 e indo à França como jornalista, Nelly começou fazendo-se íntima colaboradora de Abel Gance e escrevendo poemas eróticos, passando depois a realizar documentários tidos como de qualidade e, depois, dirigindo dois longas também elogiados, como La Fiancée du Pirate (69) e Papa les Petits Bateaux (71), esta nada menos que com Michel Lonsdale. E aqui temos finalmente entre nós uma fita que ela lá dirigiu em 76. É a história de uma adolescente que depois de quase ser presa por roubar novelas eróticas de uma livraria, acaba, não obstante sua “inocência”, escrevendo uma do mesmo gênero, mas bem mais forte e exigindo de seu quase acusador e editor, todo o respeito “durante” e “depois”. Como ele não cumpre, ela se ofende, rompe, mas desse desentendimento, nasce entre ambos um forte amor, como sempre, desde Colette a todo o teatro e cinema e ficção franceses, muito encontradiços e que sempre os aficionados do gênero tiveram à sua disposição. A história aqui foi tirada de romance de Emmanuelle Arsan. Pelo best seller que levou o seu nome, não atinamos o que Mme. Arsan pode ter na cabeça. Mas o crítico inglês do “Monthly Film Bulletin”, Verina Glaessner, com uma perversidade bem feminina, comenta que ao adaptar a novela de Arsan, Nelly apresenta um filme que é provavelmente o “mais pessoal (e Obliquely...) autobiográfico que ela fez até então”. O editor, e galã, é o inacreditável Sami Frey e, quanto à protagonista Ann Zacharias, a julgar pelas fotos, dificilmente Nelly Kaplan poderia ter encontrado uma atriz que pudesse parecer tão argentina. A própria diretora aparece num pequeno papel, como uma bibliotecária. Certo renome ela tem – vejamos agora seu filme.”.

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 13/03/82.

A MULHER DO LADO ("La Femme d'à Côté")

2010-05-09T18:24:00.004-03:00

“Depois das sete apresentações da semana de pré-estréias gauloises da “Gaumont do Brasil”, a sala Villa-Lobos, quinta-feira, perpetra o previsível, o inevitável, faz uma avant-premiére que já é o lançamento regular do mais recente filme de Truffaut. Ah, Truffaut! Inefável Truffaut! Comme vous aimez trop la douceur, les petites verités, en nom de les profonds penses, des étonnants observations, du grand (et fausse) cinema! E como há quem adore teus filmes! Nós, porém, sempre tivemos uma ligeira desconfiança. E depois desse anterior, Le Dernier Metro, então desistimos, quase de vez. Aqui, Truffaut inspirou-se ao ver uma tele-atriz (a novata e ao que parece, não muito promissora Fanny Ardant) numa novela da TV de lá, que tinha quase o mesmo título (Les Dames de la Cote) que ele deu a este seu filme. E logo a imaginou amando e sofrendo por Gérard Depardieu. Aqui, Fanny é a vizinha cujo “relacionamento” com o boxeur face Depardieu tem aqueles doces ressentimentos, aqueles amargos júbilos de todo amor que dura anos e anos, com interrupções, desentendimentos, fugas, sublimes reconciliações e, até mesmo, não prescinde do desfecho trágico, para melhor marcar. Tudo puro Truffaut, para quem gosta de Truffaut mesmo.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 27/03/82.

OS TITÃS VOLTAM À LUTA NA ATLÂNTIDA ("Warlords of Atlantis")

2010-05-09T18:21:00.003-03:00

“Aventura inglesa a meio termo entre os atuais e mecânicos excessos do cinema dos EUA (muitas vezes combinado ao da própria Inglaterra, e sempre para nada) e os antigos superespetáculos bíblicos, mitológicos ou fantásticos do cinema italiano de 15 ou 20 anos atrás, com os diretores Cottafavi, Fredda e Gentilomo e os galãs Reeves e Scott à frente, e obras às vezes valiosas ou cuidadas como “Maciste contra os Vampiros”, “Hércules na Conquista da Atlântida”, “Messalina”, etc. Século XIX. Valiosa estátua de ouro, provavelmente dos tempos da Atlântida, é resgatada do fundo do mar por cientista inglês e seu amigo americano, e a aventura começa. No elenco, talvez em curta e melancólica reaparição, penteada à Medusa, Cyd Charisse.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 25/07/82.

MENSAGEIRO DE SATANAS ("Evilspeak")

2010-05-09T18:20:00.004-03:00

“Horror adventício e apressado, daqueles que quando a Republic, Monogram, a PRC ou a Lippert, Regal ou Film Classics produziam de três dias a uma semana, e todos os “críticos-vetais” do mundo punham a boca no próprio. E entretanto, como até os ensaístas europeus vêm pesquisando, documentando e defendendo em livros ora publicados davam margem até a obras-primas ou a esforços de verdadeiros cineastas como Edgar Ulmer, Ewing Scott, Richard Oswald, Wisbar e outros que se tornaram antologia. Poderá suceder o mesmo aqui? Basta aquilatar-se o momento que estamos tendo para quase garantir que não. A ação começa em 1540, quando um padre espanhol é exilado para o Novo Mundo por adorar o demônio; 440 anos depois, numa academia militar da Califórnia, um bode expiatório da “maioria compacta” local acidentalmente descobre passagem secreta que dá para uma salão onde jaziam os livros, roupas e móveis do padre renegado. Se pudéssemos acreditar pelo menos na capacidade cerceada, mas ainda assim efetiva, de ambientação gótica dos responsáveis pelo filme...”.

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 14/11/82.

O CORRUPTOR ( "Kamo")

2010-05-09T18:19:00.007-03:00

“O Brasil será mesmo como dizia Luis Carlos Barreto, quando em aberta campanha para seu predomínio como produtor cinematográfico em nosso desavisado ambiente, o “paraíso da exibição de filmes estrangeiros”? A julgar pelos percalços deste, que ficou retido nada menos de 16 anos por nossa incompreensível e incoerente censura, isto não pode ser verdade, absolutamente. Esta é a história de um fiscal de cabaré da Ginza (Tatsuo Umemiya), que em proveito próprio e traindo a “confiança” de seu patrão traficava os passes das “garçonetes” dos bares deste, até que descoberto, pelo mesmo é despojado de todo o pecúlio juntado, além de cair no desprezo das meninas e, também, nas garras vingadoras de um grupo de estudantes (rapazes). O diretor Sekigawa, já falecido, era dos melhores do cinema de lá. E o mesmo pode ser dito de alguns de seus intérpretes, entre os quais o protagonista, mais o adolescente Mamoru Ogawa, Chisako Hara (que lembra Léa Massari) e a veterana Kumeko Urabe.”

Publicado originalmente no "O Estado de S. Paulo" de 12/12/82.

SHAMPOO ("Shampoo")

2010-01-25T13:11:00.007-03:00

"As astucias e a “dolce vita” de um cabeleireiro de senhoras que utiliza o estigma da profissão para melhor poder conquistar as clientes ricas e avoadas, belas e sedutoras (só que não sabemos se os dois últimos atributos podem, em sã justiça, ser aplicados a Julie Christie e Goldie Hawn, sem graça a primeira e uma caricatura, a segunda). O filme constituiu grande êxito nos EUA e foi candidato a vários “Oscars” importantes, mas ganhou só o de melhor atriz coadjuvante, atribuído à veterana Lee Grant, que aliás já havia sido candidata ao mesmo troféu há um quarto de século, com seu desempenho de uma ladra em “Chaga de Fogo” (“Detective Story”), de William Wyler. “Shampoo” foi produzido, co-escrito e estrelado por Warren Beatty, o absurdo, senão duvidoso irmão de Shirley MacLaine. Mas segundo a crítica é obra brilhante, embora não tão analítica quanto o assunto permitia, assunto aliás que, parcialmente e noutro tom, mas com muita criatividade foi antecipado principalmente pela interpretação de Erasmo Carlos no filme nacional “Os Machões”.”

Publicado originalmente no “O Estado de S. Paulo” de 23/05/76

ANDREI RUBLEV, O ARTISTA MALDITO("Andrei Roublev")

2010-01-25T13:07:00.006-03:00

“Um dos mais desejados e aguardados “filmes de arte” dos últimos oito anos, este sobre a vida de Andrei Rublev, pintor da Santa Rússia, no século XVII, bárbaro, iconoclasta, controvertido, mas ao que parece, dotado de gênio. Dirigido pelo mesmo Andrei Tarkovski do decepcionante “A Infância de Ivan”, mas posteriormente também o realizador do surpreendente “Solaris”. Andrei Rublev, após seu término ficou uns quatro ou cinco anos interditado pela censura na U.R.S.S. só sendo liberado em 1971 e depois que, em 1969, misteriosa e clandestinamente levado a Cannes, foi candidato fortíssimo à “Palma de Ouro” e acabou recebendo, “ex-aequo” com “O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro”, de Glauber Rocha, o prêmio de melhor direção. O motivo da celeuma, ao que parece, eram as especulações sobre a liberdade do artista e de seu eterno direito à rebelião. Segundo nosso falecido correspondente na Europa, Novais Teixeira as seqüências coloridas do final que revelam as culminâncias atingidas pela obra pictórica de Rublev são de um impacto absoluto. A narrativa é dividida em oito trechos cada um sobre um “motivo” ou um “item”. A Columbia anunciou mas demorou muito a nos trazer o filme. Mas agora ele ai está. E sua apreciação ou aferição tornam-se obrigatórias.”

Publicado originalmente no “O Estado de S. Paulo” de 12/09/76